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Cómo la fotografía ha arruinado la vida de millones de mujeres

Txema Rodríguez — Sat, 18 Jun 2011 12:32:30 +0000

Un resumen rápido nos muestra en las revistas de moda (digamos femeninas) a un grupo de mujeres aparentemente muertas en manos de fotógrafos que, salvo contadas excepciones, son hombres, fetichistas, gays o narcisistas. Y puede que sean varias de esas cosas a la vez. Gente que construye la imagen del otro sexo sin observarlo a partir de parámetros ajenos al sujeto, que hablan de una supuesta perfección que esconde los abominables matices que Hans Bellmer denunció como pretensión absurda de los nazis respecto de sus muchachas. Mujeres rotas, fragmentadas, pornográficas, simples ampliaciones de los penes: Aparecen en escenarios en los que son asesinadas, violadas y esclavizadas para, en una extraña vuelta de tuerca, ser transformadas en objeto de deseo para sí mismas gracias al boyante negocio de la cirugía estética y todas sus ramificaciones.

Fotografía de Kat+Duck, un prometedor estudio de Brooklyn

¿Cómo hemos llegado a este punto grotesco?. Tal vez sea cierta (creo que lo es) la idea de John Berger respecto a la publicidad como sustituto de la democracia, la elección de lo que uno come (o viste, o conduce) ocupa el lugar de la elección política significativa. La publicidad ayuda a enmascarar todos los aspectos antidemocráticos de la sociedad. Y enmascara también lo que está ocurriendo en el resto del mundo. La misoginia, por ejemplo. Porque estamos hablando de eso, del control de las mujeres (en especial cuando se hace en nombre de su liberación) mediante el control de su aspecto. Las muñecas perfectas, inertes, higiénicas, reutilizables, fragmentadas y estúpidas que nos venden las revistas etiquetadas como productos de “glamour” no están muy lejos de las chochonas que el Fuhrer parece ser que intentó producir en Dresde para proteger a sus tropas de las enfermedades venéreas. Vivimos en la época de la vagina industrial, rodeada de una cuidada anatomía que ha de ser medida con precisión irreal ahora que ya no existe, al menos en nuestra sociedad, el himen como mecanismo de control. Bien, ahora pueden no ser vírgenes pero han de admirar una fotografía y tratar desesperadamente de asemejarse a ella. Y no solo en el terreno de la belleza, sino en basuras como The Pin-Up House Wife by Sarah Church & Matthew G Hollis que es un, en cualquier caso, un mero ejemplo de lo que en el mundo de las publicaciones destinadasa la mujer se llama producción. La búsqueda de un escenario sobre el que incluir a una hembra muñeca en posturas variadas con el obejto de venderle una camiseta o un lápiz de labios. Y se pegan por hacerlo, lo vemos a diario en cualquier comercio del ramo.

The Pin-Up House Wife by Sarah Church & Matthew G Hollis

La fotografía actual nos muestra a la mujer desvirtuada, transformada en un aparato de fantaseo, no como una contemplación (la belleza se encuentra y admira, no se construye o crea, porque sucede espontáneamente a través de quien la descubre y la muestra a otros). Ahora la fotografía de lo femenino es parafílica. A este respecto son notables los arriesgados trabajos de la fotógrafa Cindy Sherman y también los de Tracey Emin. Aunque hay algo sobre lo que reflexionar en ambos casos en comparación con otros dos muy conocidos. Sherman y Emin han caído en la trampa de la deconstrucción y el simbolismo de la que milagrosamente se salvaron Francesca Woodman y Ana Mendieta. Aunque lo hiceran por medio del suicido, y eso es un síntoma sobre el que millones de mujeres habrían de reflexionar si no fueran prisioneras de su aspecto.

“Fresh Hell” at Palais de Tokyo. Ana Mendieta

El crítico Hal Foster explica que una buena porción del arte contemporáneo (y la fotografía lo es) presenta la realidad como un trauma, como una indigestión del retorno a lo real que agrupa a artistas como la citada Cindy Sherman, Kiki Smith, Andres Serrano, Robert Gober, Paul McCarthy o Mike Kelley, bajo la idea de un «realismo traumático» que opera «desde lo real entendido como efecto de la representación a lo real como un evento del trauma». O, dicho de otra manera, los elementos que se manejan no son la mirada, sino el deseo, el dinero que de ello se puede sacar y la manipulación de las percepciones para conseguirlo. Los malos fotógrafos crean escenarios con mujeres dentro, que son objetos del escenario (con un fin). Los buenos fotógrafos encuentran la belleza en lo que miran, intiman con las personas (no sólo mujeres) que fotografían y revelan esa belleza (u horror) para conciencia y autodescubrimiento del espectador que se ve reflejado por ellos, o identificado con ellos por afinidad u oposición/contraste.

Edward Steichen, Greta Garbo, 1928

En la buena fotografía se llega a un punto en el que lo que ves es algo de lo que no puedes hablar. Que te toma y te conmueve. Podemos utilizar como ejemplo este retrato de Greta Garbo realizado por Edward Steichen (en realidad nos serviría cualquiera de sus fotos). En la mala todo es obvio hasta la obscenidad, como en el porno. Mientras una resulta envolvente, sugerente y erótica la otra no requiere pensamiento, es una simple paja con corrida que incapacita para reconocer la verdadera belleza cuando se muestra ante nuestros ojos. Resulta algo terrible, porque la misoginia de las imágenes femeninas se transforma en pederastia y pedofilia: Llega el momento en que el ojo no es capaz de distinguir las maravillosas imágenes de Sally Mann del material destinado al consumo por parte de degenerados.

Sally Mann. Venus After School. 1992

Eso, extrapolado, tiene el mismo efecto en otro tipo de fotos (moda/reportaje de guerra) No se distingue al tarado mental de Guy Bourdin de Robert Capa, o a Bellmer y Helmut Newton de los psicópatas que llenan de basura fotográfica las revistas en una labor implacabe de degradación no solo de la mujer sino de lo no masculino (cualquier opción de identidad sexual que no lo parezca)

La fotografía de moda puede ser sublime, dejarte sin palabras. Aunque es cierto que eso ya no se lleva. Ahora, en el próximo escalón hacia la nada, triunfan los artistas de la modificación y los chapuzas del bisturí.

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El fin de la intimidad o algo parecido

Txema Rodríguez — Sun, 19 Sep 2010 13:59:18 +0000

Es un asunto sobre el que no se habla mucho. Al menos no de manera especial, no de un modo adecuado a su importancia. La popularización de la fotografía que todos conocemos ha llevado a cada bolsillo una cámara más o menos grande o sofisticada, junto a un teléfono o separada de él, que permite a millones de personas tomar una instantánea en cualquier lugar o bajo cualquier pretexto. Me pregunto qué significa eso, qué importancia tiene, dado que tengo por cierto como fotógrafo que retratar a otro ser humano es un acto de intimidad y no deja de asombrarme el exhibicionismo con que las personas que me rodean disparan y disparan unas sobre otras sin mostrar reparos aparentes. Doy por hecho que, a un nivel profundo, no saben qué están haciendo. Aunque eso tampoco resulta tranquilizante.

Los japoneses tienen una razón para acumular fetiches fotográficos: la falta de espacio. En sus pequeños apartamentos apenas caben ellos de manera que todo lo demás ha de ser documentado de forma detallada y almacenado en un soporte pequeño y fácil de mover. Los demás no tenemos esa excusa ni somos los líderes mundiales en la fabricación de cámaras. ¿Qué hacen millones de personas a cada segundo inmortalizando poses ante monumentos, fiestas, paseos, rostros de amigos y desconocidos?.

Creo que es algo que podríamos llamar síndrome de posesión desplazada y consiste en tomar fotos de lo que no se puede poseer, de aquello con lo que no podemos establecer una relación, de modo que la imagen se convierte en un fetiche, un símbolo que remplaza lo real, un mapa detallado de cada fracaso, un preciso organigrama de vidas que se cruzan y se invaden sin pudor y sin profundidad. Miles de millones imágenes almacenadas en discos duros que prueban que estuvimos en tal o cual lugar con tales o cuales personas pero que no significan nada porque fueron reemplazadas, apenas otros segundos después por otras y otras en una especia de ficción irreal en la que documentamos con el objetivo nuestras no-vidas.

Espectadoras en un concierto de Chayanne. Valencia. 15/09/2010. Fotografía de Jesús Signes. Las Provincias.

Esta imagen (me parece una gran fotografía) captada por mi compañero Jesús Signes hace unos días me hizo darle vueltas al asunto y volver mis pasos hacia Susan Sontag en busca de respuestas. No las encuentro, al menos no en el sentido exacto de mis inquietudes. Pero me inquietan sus palabras cuando afirma que las fotografías no solo sirven para cerificar la realidad sino para rechazarla “cuando se confina a la búsqueda de lo fotogénico, cuando se convierte la experiencia en una imagen, un recuerdo. El viaje se transforma en una estrategia para acumular fotos. La propia actividad fotográfica es tranquilizadora, y mitiga esa desorientación general que se suele agudizar con los viajes. La mayoría de los turistas se sienten obligados a poner la cámara entre ellos y toda cosa destacable que les sale al paso. Al no saber cómo reaccionar, hacen una foto.”

Presiento que algo anormal ocurre, aunque no hallo la forma de expresarlo. Resulta paradójico. Una de las formas más precisas de conocer a un ser humano consiste en tomarle un retrato y eso se ha transformado en un modo de pasar por su superficie, para guardarlo como un souvenir sin valor que acabará en la basura en la próxima mudanza.

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Esas fotografías son basura

Francisco Gálvez — Thu, 05 Aug 2010 07:00:00 +0000

La sociedad de consumo que habitamos tiene un reverso trágico y peligroso, la otra cara de la moneda de la hiperproducción. Cada año aumenta el número de residuos que generamos, degradando rápidamente el medioambiente y poniendo en peligro nuestra salud. La fotografía, como instrumento de conocimiento social, ha dado testimonio en numerosas ocasiones de la cara menos amable del progreso.

La basura, como la electricidad o los automóviles cuya belleza ya cantaran los futuristas, es también un signo de la modernidad, que lejos de situarse al margen de nuestro hábitat, nos rodea y crece sin parar, llegando incluso a tomar un carácter artístico.

Hacer arte de la basura se convierte así en una constante cuyos inicios podríamos situar en el ‘Povera’ de los años 70. Las obras que con toda clase de materiales de desecho realizaran gente como Pistoletto o Mario Merz tenían un claro componente de rechazo a la progresiva industrialización del mundo. Un ejemplo más cercano podemos encontrarlo en la instalación ‘Waste not’, realizada para el MoMA por Song Dong, donde el artista chino formula su trabajo recogiendo y ordenando trastos en un alarde de lo que los psiquiatras llaman acumulación compulsiva.

Vista de la instalación 'Waste Not' de Song Dong, MoMa 2005. Imagen de IslesPunkFan / Neil R. Creative Commons

En este sentido podemos decir que la basura se ha convertido en un nuevo ‘leit-motiv’ cultural, una mitología moderna que pone al descubierto algunos de los fundamentos clave para desentrañar el verdadero carácter del alma humana.

Acumulación compulsiva

Todo aquello que alguien desecha por no serle útil y que abandona, forma parte también de la basura. De esos objetos inservibles son de los que se nutre el mito de los hermanos Collyer, traidos de vuelta a la actualidad de la mano del escritor estadounidense E. L. Doctorow.

El pasado año se publicó ‘Homer y Langley’, -nombres de los personajes de la novela- donde Doctorow ajusta cuentas con su memoria, dando salida al recuerdo de los sórdidos habitantes del caserón de la Quinta Avenida, protagonistas de uno de los sucesos más singulares que vivió la sociedad neoyorquina de finales de los años 40 y del que Doctorow , como él mismo ha confesado, fue testigo en su adolescencia.

Imágenes de Bettmann que acompañan el artículo sobre los Collyer publicado en 'El País semanal'. Pulsa para ver el artículo completo.

Los Collyer son dos hermanos, hijos de una familia acomodada, que un buen día deciden escapar a su entorno inmediato a través de un enclaustramiento progresivo en la casa que habitaban desde su niñez. Homer, que desde muy joven quedó ciego, fue el primero en verse forzado a la reclusión, siendo su voz la que sirve a Doctorow para poner en marcha el relato de unos acontecimientos que afortunadamente no siempre se ajustan a lo que en su día contara la prensa.

Langley sin embargo realiza continuas excursiones al exterior para proveerse de agua, alimentos y toda una serie de elementos que almacena sistemáticamente en casa. Fruto de esas pesquisas nocturnas es una gran cantidad de periódicos que han de servirle para confeccionar lo que denomina la ‘Edición única para todos los tiempos’, donde quedará perfectamente ejemplificada su personal ‘teoría de los reemplazos’ mediante la recopilación y clasificación de los acontecimientos que sufre el mundo y que han de servir a su hermano ciego como punto de referencia en el futuro, una vez que este recobre la visión gracias a una estricta dieta a base de naranjas.

Cabe preguntarse si no fueron las fotografías aparecidas en el New York Times, realizadas durante el desmantelamiento de la mansión Collyer, una vez aparecidos los cadáveres de los hermanos, lo que alimentó la imaginación de Doctorow durante años antes de escribir la novela.

El poder evocador de las imágenes permite recrear los acontecimientos yendo mucho más allá de lo que realmente se conoce acerca de sus protagonistas. Un caso parecido es el de André Gide, que aficionado como era a participar voluntariamente como miembro del jurado, elaboró toda una serie de relatos basados en casos que conoció de primera mano, como el de ‘La secuestrada de Poitiers’, que narraba el escalofriante encierro de una joven durante más de veinticinco años a manos de su propia familia. Historia, por otro lado, aderezada con todo tipo de elementos icónicos a modo de complemento.

La basura como tema fotográfico

Lo cierto es que el propio Langley Collyer tuvo su particular aparición en la prensa como consecuencia de algunos de los juicios previos a la catástrofe final. De Homer nunca conoceremos su verdadero rostro.

Imágenes de Bettmann que acompañan el artículo sobre los Collyer publicado en 'El País semanal'. Pulsa para ver el artículo completo.

Fueron, como no podía ser de otro modo si de retratar la vida de Nueva York se trata, de los hombres de Otto Bettmann, -el magnate de la fotografía-, los responsables de inmortalizar aquellos instantes donde los atónitos miembros del departamento de policía de la ciudad se adentraban en las entrañas de la morada de los Collyer a través de diminutos túneles construidos con periódicos y desperdicios durante el rescate de los cuerpos. Entre la gran cantidad de inmundicias allí depositadas durante décadas los agentes se toparon con bicicletas, decenas de pianos, algunos de ellos desguazados, esqueletos humanos, vísceras en botes de formol –el padre de los hermanos era médico de profesión- y hasta el propio coche familiar de los Collyer, un Ford T que durante una época sirvió como generador de electricidad una vez la compañía les cortara el suministro. Todo ello hizo, como dice Doctorow a través de Homer, que la casa Collyer se convirtiera en ‘una atracción mayor que el Empire State Building’.

Parte de la gran cantidad de imágenes tomadas han vuelto a ser reproducidas ahora para ilustrar las múltiples noticias aparecidas a raíz de la publicación del libro, fotografías que pertenecen al Archivo Bettmann distribuido en exclusiva por Corbis.

Echando un vistazo a las fotos no podemos sino preguntarnos, más allá de las explicaciones que podría ofrecernos un especialista en trastornos obsesivos, cuál es la razón de semejante desastre. Algunas respuestas a estos interrogantes nos las ofrece el propio Homer, que ve cómo la casa va llenándose de obstáculos, intuyendo que esta inmensa acumulación no tiene otro objetivo que salvaguardar a su hermano del miedo, viendo como se cumplen sus más temidos presagios: ¿Qué podía haber más espantoso que verse convertido en un chiste mítico? (p.195)

Papelera de reciclaje

Las fotografías de vertederos, de espacios degradados, pueden servirnos de objeto de denuncia, de prueba pericial ante los agravios hacia el medioambiente, pero ¿qué puede hacer que la basura sea tan fascinante y sea protagonista en miles de imágenes?

Que la relación entre la basura y la fotografía es amplia es algo que ya conocemos; bastaría recordar el caso de Miroslav Tichý, el indigente checo autor de una extensa colección de fotografías, -por las que ahora se pagan miles de euros-, realizadas enteramente con desechos, incluidas las cámaras con las que dispara, como ya dio noticia de ello ‘el fotográfico’.

La basura puede ofrecerte instantes únicos como este. Doctorolvido. Creative Commons

En otras ocasiones es de la propia basura de donde se rescatan auténticos tesoros. Y es que parece que los tiempos que corren no son buenos para andarse con romanticismos guardando trastos, y es habitual encontrarse en los contenedores con las fotos que pacientemente muchos aficionados hicieron durante toda una vida. Son muchos los usuarios de Flickr que dedican su espacio a rescatar estas imágenes y a compartirlas en la red, y aunque no se traten de negativos de Robert Capa o de Ansel Adams, la cosa tiene su interés, porque no deberíamos olvidar que detrás de todas esas fotos, siempre podemos encontrar una historia.

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Los álbumes de Motel Americana (I)

Alvaro Llorca y María Sánchez — Thu, 29 Jul 2010 07:00:25 +0000

Todos los viajes empiezan con un conjunto de imágenes en blanco, visiones que nos vamos inventando hasta el momento en el que no nos queda más remedio que enfrentarnos visualmente con nuestro destino. A la vuelta, esas fotografías imaginarias son sustituidas por otras reales que cargamos a cuestas. A veces son mejores que las que habíamos evocado; otras, habría sido preferible que nunca hubieran sido reemplazadas.

Durante casi tres meses recorrimos Estados Unidos haciendo reportajes de música que ahora estamos publicando en Motel Americana, un blog de elpais.com. Además de canciones, entrevistas y cuadernos llenos de notas garabateadas regresamos con un pequeño testimonio gráfico de todo lo que vieron nuestros ojos en ese tiempo y que ahora compartimos con El Fotográfico. Con esta selección de fotos de Arizona, Texas y California inauguramos el primer capítulo del álbum de nuestro viaje.

Santa Mónica Beach

En contraposición a la costa este, más severa y austera, la costa californiana es el paradigma del desenfado y la despreocupación más palpable en el siempre soleado oeste. Las playas de Los Ángeles, Venice, Malibú y Santa Mónica (donde fue tomada esta fotografía), están repletas a cualquier hora del día de gente montando en bicicleta, hippies vendiendo todo tipo de artesanías y cachivaches insólitos, jovenzuelos en patines, personajes con looks imposibles, señoras jugando a voleibol o practicando taichi, adolescentes bañándose en la playa o señores en pantalón corto disfrutando de un café en cualquier terraza. Como dicen los Magnetic Fields en su alegato anti chicas de California: cuerpos espectaculares y bronceados, narices y dientes perfectos y comida de mentira. California es un canto al hedonismo exacerbado.

Tsunami: zona de riesgo

Esto no es la costa pacífica de Japón. El norte de California es también vulnerable a los tsunamis y, desde 1812, más de una decena de olas gigantes se han cebado con las localidades costeras del estado. La más devastadora de ellas tuvo lugar en 1964, causando enormes daños y 12 víctimas mortales en Crescent City. No hay manera de predecir un tsunami. Llegan de manera imprevista y arrasan con todo. Por eso, en las carreteras de la zona, que zizaguean entre las típicas secuoyas gigantes, es normal toparse con señales que, un tanto estérilmente, tratan de advertir del peligro.

El artista mexicano Salvador Durán

El personaje que aparece en esta imagen es Salvador Durán, un artista mexicano que “pinta música y canta pintura”, según sus palabras. La historia de esta imagen es muy especial para nosotros, ya que acceder hasta su figura fue una sucesión de rebotes maravillosos. En un bar de Tucson, en Arizona, preguntamos a los parroquianos si alguien conocía a los músicos de Calexico, uno de nuestros grupos predilectos y que son originarios de esa ciudad. Así, tras surcar un sendero de diferentes contactos conocimos a Salvador Durán, que ha colaborado con su guitarra y a los coros con la banda. Nos recibió en su estudio, un lugar cargado de energía y color, en el que realiza sus obras y que también sirve como local de ensayo para algunas bandas. En su rostro se perciben rasgos puramente mexicanos, una mexicanidad que ha mantenido en buena medida en su obra. Su rostro ajado, con esas gafas torcidas, tal vez sirvan para definir la personalidad y el aperturismo de este hombre, quien no ha perdido ni un ápice su compromiso hacia la cruda realidad mexicana a pesar de la distancia.

En el desierto de Arizona

Esta imagen fue tomada en Arcosanti, un enorme proyecto de arquitectura utópica, obra de Paolo Soleri. El italiano se basó en el concepto de arcología, algo que busca la conjunción adecuada entre la arquitectura y la ecología. El lugar lleva en construcción desde los años 70 y está erigido en mitad de un secarral de Arizona. El día de nuestra visita coincidió con Acción de Gracias, y no había ni un alma en los alrededores, por lo que el conjunto arquitectónico cobraba una aspecto bastante fantasmal. En esta foto aparece una camioneta que estaba aparcada en la puerta y es el único resquicio de vida que por allí encontramos.

Cerca del Gran Cañón

Estas espectaculares formaciones de roca roja se encuentran en Sedona, casi en el centro de Arizona y relativamente cerca del Gran Cañón. La ciudad es una especie de resort para ejecutivos estresados y amantes de la mística new age, lo que conforma un paisaje humano de lo más variopinto. Pero lo más llamativo, sin duda, son esas rocas rojas y los increíbles efectos que la puesta de sol provoca en ellas, unos juegos de sombras espléndidos que te obligan a quedarte atento a cada nueva variación de este prodigio geológico casi sin pestañear.

Control de velocidad

Cuando enseñamos esta foto nos gusta decir que confundimos a este hombre con el jefe Bigun, el policía de los Simpson, y que detuvimos el coche con el fin de obtener su autógrafo. Nada más lejos de la realidad. Esta patrulla policial se encontraba agazapada en algún lugar y al detectar que nuestra velocidad era demasiado alegre decidió detenernos y, aunque nos libramos de la multa y todo quedó en un aviso, podemos prometer que no volvimos a superar el límite de velocidad. En serio, si de verdad quieres que se respeten los límites, contrata a policías texanos para las labores de vigilancia porque sus cualidades intimidatorias no tienen parangón.

La oficina de correos de Fort Stockton

Polvo, ‘tumble weeds’ (que es el nombre de las míticas bolas del desierto que ruedan en los westerns) y edificios desvencijados. Éste es el panorama que nos encontramos en muchas de las ciudades de Texas por las que atravesaba nuestra ruta. En concreto, esta imagen fue tomada en la siniestra ciudad de Fort Stockton, un lugar al que arribamos para descansar y que nos ofreció inquitenates imagenes, como la de esta oficina de correos.

La tienda de Prada en el desierto

La ciudad de Marfa es un oasis artístico en mitad del sur de Texas. Rodeada de ranchos y mucho sol, esta ciudad de unos 2.500 habitantes está poblada de artistas y gente bohemia que han construido un fortín contra el conservadurismo que reina en el estado. A las afueras de esta localidad se encuentra una instalación de lo más chocante. Resulta que, en mitad de carreteras infinitas sin apenas una gasolinera, se alza una tienda falsa de la marca de ropa de lujo Prada. Lógicamente, la tienda está perfectamente sellada y no ofrece ningún tipo de actividad comercial, aunque en el interior se encuentran reproducciones de alguna de las últimas colecciones de la marca. El extrañamiento y el impacto que generan en el conductor están asegurados.

Jesucristo es el señor, también en Arizona

Las carreteras americanas son famosas por la monotonía y la regularidad de su trazado. El mar de asfalto de sus autopistas monstruosamente rectas es tan vasto que, si no ha dilapidado el paisaje que lo rodea, en ocasiones ni siquiera permite al conductor reparar en él. La cosa cambia al aventurarse en carreteras de segunda, más lentas e incómodas, pero sin duda, más amables y susceptibles a la sorpresa. En una de ellas, en el estado de Arizona, tuvimos como acompañante durante unos minutos a este camión de mercancías que recordaba a los conductores que, si tenían la tentación de maldecir en el fragor de las tensiones de la carretera, Jesucristo es el señor.

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Megan Fox y los dobles perfectos

Francisco Gálvez — Mon, 12 Jul 2010 16:08:32 +0000

Las fotografías de Megan Fox que Craig McDean ha realizado para el último número de Interview vuelven a conjurar a los que únicamente disponen como recurso el ataque contra todo aquello que les ‘huela’ a PhotoShop.

Convendría dejar claro de una vez por todas que el uso de retoque digital no es un atentado contra ninguna norma de representación, que desmerezca el trabajo fotográfico de quien lo usa y que, a lo sumo, sólo pone en entredicho el concepto de reflejo especular de lo real como promesa de realidad de que hasta ahora era aval la fotografía, como ya dijimos en su momento.

Megan Fox fotografiada por Craig McDean en Interview. (Interview)

Entrar en este orden de la discusión ahora, acabaría por sacarnos de la que consideramos debe de ser la cuestión principal a la hora de analizar el trabajo de McDean como se merece.

Craig McDean es un reputado fotógrafo que ha trabajado elaborando campañas de Dior, Gucci, Yves Saint Laurent, Armani, Estee Lauder o Calvin Klein entre otros, siendo un habitual de las revistas de moda. Su campo de actividad es la fotografía publicitaria, y que por mucho arte que queramos ver en sus fotos, como en toda la publicidad, ésta verá condicionada su relevancia estética conforme a los beneficios que logre reportar, indistintamente de que queramos o no darnos cuenta de ello. En una situación análoga se encuentran los diferentes ámbitos artísticos, esto es, mediados por el mercado.

Como se advierte en el párrafo que encabeza la colección de fotos, Megan Fox aparece vestida de alta costura, ataviada con prendas de las firmas más prestigiosas y acompañada de ‘su doble’ como si entre ambas se estableciera una coreografía cómplice de tango.

Megan Fox con su doble desnudo de plástico. (Foto de Craig McDean para Interview)

En este sentido podríamos aclarar que siendo el tango una danza -todo él un genero musical-, donde tradicionalmente los roles sexuales quedan bien definidos en el papel que desempeña el hombre, que dirige el baile, y la mujer, que le sigue arrastrando su sensualidad, las imágenes de McDean suponen, en efecto, una transgresión, un tanto vana por otro lado, que queda adscrita a lo que se denomina ‘tango queer’, como un modo de bailarlo fuera de sus códigos canónicos entre personas el mismo sexo.

El concepto literario de ‘el doble’
El punto ‘caliente’ de las fotos -si es que podemos denominarlo así ya que estas aparecen sumidas en un ambiente aséptico- es que pese a que se han creado en condiciones que desde un punto de vista narratológico –habitación de hotel, pasillos de suelo ajedrezado, cortinajes y divanes aterciopelados-, invitan a la especulación en el sentido de una mitología sexual de corte ‘sádico’, de la mano de la aparición del ‘doppelgänger’ de la propia Megan Fox.

'Effigie' (1967). Fotomontaje de Pierre Molinier.

El ‘doppelgänger’ o doble perverso es una figura literaria de amplia tradición que, o bien como augurio de muerte en la tradición germánica o desdoble de la propia personalidad, como en Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Stevenson, a supuesto, la mayoría de las veces, la encarnación de los deseos no admitidos de los individuos y la proyección de sus anhelos más ocultos.

Si estos son los ejes motrices sobre los que se asienta el ‘relato’ de Craig McDean, como pretexto para el lucimiento de la propia Megan Fox y de los productos exclusivos que oferta, el resultado es sencillamente pobre, en tanto que pobre es el aprovechamiento de los recursos discursivos de que echa mano.

Tanto más si el propio McDean no toma como modelo –cosa que desconocemos- algunos de los exquisitos precedentes más notables a la hora de retratar ‘doppelgängers’ como motivo de fetichismo sexual, como es el caso de la obra fotográfica de Pierre Molinier, o las poses de cuerpos combinados, dibujados por Pierre Klossowski, a las que sin duda estas fotografías algo le deben.

Autorretrato de Pierre Molinier.

Las fotografías de Pierre Molinier (1900–1976) tienen como objeto la búsqueda incesante para hallar su otro cuerpo, su cuerpo deseado. Cientos de fotografías, entre autorretratos y fotomontajes, son el resultado de décadas de trabajo donde el artista explora todas las opciones probables en el afán de recomponer su identidad fragmentada.

Es a finales de los años sesenta cuando Molinier construye una muñeca de escayola articulada, su ‘Poupée’, a la manera de las que construyera el surrealista Hans Bellmer en los años treinta, que le servirá como doble, con la cual se fundirá dando rienda suelta a su empeño de ser en otro cuerpo, un cuerpo inerte, pero que con la ayuda de la fotografía se torna vivo.

Con la ayuda de abundantes prótesis y maquillaje, Molinier, que ya era un anciano cuando realiza estas fotografías, -le podemos ver en acción en el cortometraje ‘Satan bouche un coin’ (1968) de Jean-Pierre Bouyxou-, logra recrear ese cuerpo múltiple, sexualmente ambiguo, genitalmente combinado, completo, fusionado, ni hombre ni mujer a través de la fotografía.

Para saber más

‘A Megan Fox lo que le pone es ella misma’ en divinity.es

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El Exile on Main Street de los Stones, una leyenda fotográfica

Rafael García — Tue, 18 May 2010 07:00:48 +0000

Hoy sale a la venta la reedición de Exile on Main Street, uno de los álbumes míticos de los Rolling Stones. Han pasado treinta años desde que se grabó y, sorprendentemente, casi todos los que participaron siguen vivos. Lo cual no deja de ser asombroso porque el proceso de producción de este disco y la gira posterior por Estados Unidos figuran en la historia del rock como un escalofriante descenso al infierno.

En los tres años que van desde finales de 1969 a 1972, Jagger, Richards y sus compañeros de francachela cimentaron a golpe de excesos una doble leyenda: la de ser el mejor grupo de rock y, al mismo tiempo, el más vicioso. La historia se puede contar con rumores apócrifos, reediciones como la de esta semana o giras multimillonarias, pero también con fotos. Por suerte para nosotros, los Stones fueron lo suficientemente listos como para rodearse de fotógrafos excelentes que han dejado un gran testimonio de aquella época.

Portada y contraportada del disco realizada por Robert Frank.

El primer nombre de la lista es Dominique Tarle. Con sólo 23 años, este fotógrafo francés recibió del grupo licencia para inmortalizarles. Podía moverse a sus anchas por Villa Nellcôte, la mansión donde se estaba grabando el álbum, y sacar fotos de lo que quisiera. La banda había llegado a la Costa Azul huyendo de los impuestos británicos y Keith Richards había alquilado esta casa para instalarse con su novia de la época, la modelo Anita Pallenberg. Tenía dieciséis habitaciones y había sido cuartel general de la Gestapo, pero con Richards se convirtió en una casa donde cualquier locura era posible.

Richards siempre dijo que sus problemas no tenían nada que ver con la droga, sino con la policía). Foto: Dominique Tarle.

Lo meritorio de las fotos de Tarlé es que reflejan el ambiente de la casa con una exquisita jovialidad, sin caer en detalles sórdidos. Se sabe que en Villa Nêllcote todo el mundo estaba drogado, que Keith Richards se inyectaba heroína después de acostar a su hijito, que John Lennon vomitó en las escaleras por un problemilla con la metadona y que unos traficantes con botas de cowboy conocidos como “los Corsos” traían la mierda más pura del Mediterráneo. Pero Tarle supo extraer belleza de tanta porquería y retrató a un puñado de veinteañeros, guapos y semidesnudos, que disfrutaban del verano del amor mientras se fumaban cigarrillos y tocaban la guitarra.

Keith Richards se lo pasa en grande. Foto: Dominique Tarle.

El siguiente nombre en la lista de fotógrafos es Robert Frank. En 1970 habían pasado 12 años desde la publicación de su obra fundamental, el libro Los Americanos, y Frank era ya un mito para jóvenes moderniquis como los Stones. Mick y los suyos ni siquiera tuvieron que encargarle una foto original, sino que rescataron una vieja instantánea de Frank donde se veía el mural que decoraba la sala de espera de un taller de tatuajes. Para la contraportada, en cambio, Robert sí que hizo fotos nuevas del grupo, aunque se dispusieron siguiendo la estética del taller de tatuajes para mantener la homogeneidad. El resto del trabajo lo hizo el diseñador John Van Hamersveld.

La contraportada del disco con las fotos realizadas para la ocasión por Rober Trank.

A los Stones debió de gustarles mucho el resultado porque, cuando llegó la hora de hacer una gira de promoción por Estados Unidos, volvieron a contratar a un cincuentón Frank para que les rodase un documental. El resultado de esta sinergia se tituló Cocksucker Blues y está considerado por muchos como la película underground más underground de la historia. Robert Frank grabó todo lo que quiso y, encima, le dejó su cámara a quien se la pidió. En la película hay drogas, orgías y masturbaciones, pero el gran hallazgo del fotógrafo fue que supo filmar el aburrimiento de una estrella de rock. “Nunca he participado en nada como esto antes”, decía Frank. “He estado en viajes con gente extraordinaria, pero nada que excluya de manera tan radical el mundo exterior. No salir nunca, no ver nunca nada… No consigo acostumbrarme”. Viniendo de un tipo que había hecho millas con Jack Keruak, cualquiera se toma estas impresiones a broma.

Inevitablemente, tanta sordidez terminó asustando al grupo, que llevó a Frank a los tribunales para prohibirle la exhibición de la peli. “Es genial, pero si la mostramos nunca nos dejarán volver a Estados Unidos”, decía Mick Jagger. Aunque los Stones no ganaron el juicio, consiguieron una sentencia de lo más peculiar: Cocksucker Blues sólo puede exhibirse un número limitado de veces al año, y siempre con Robert Frank presente en la sala. Casi todo está en youtube, pero como ésta es una historia de fotografías, prefiero hacer una última recomendación para quien quiera asomarse a los excesos de aquella gira: Ethan Russell.

Una de las fotografías de Ethan Russell.

Russell era un viejo conocido de la banda. Había fotografiado el concierto de Altamont de 1969, famoso porque un miembro de los ‘ángeles del infierno’ (contratados como cuerpo de seguridad para el grupo) asesinó a un chico de color mientras los Stones seguían tocando. Comparado con aquello, Russell comprendió que lo de 1972 era completamente distinto. “La seguridad se convirtió en obsesión. El grupo ya nunca viajó en vuelos comerciales sino que tenían jets privados. Tenían limusinas. Todos los miembros del grupo habían recibido una amenaza de muerte de los ángeles del infierno y llevaban guardaespaldas armados. El escenario se construyó más alto, y la banda se convirtió en intocable”.

Las fotos de Russell son las que menos me gustan, pero aun así creo que algunas de ellas reflejan esa atmósfera alienada que ahora forma parte del estrellato del rock, ir y venir por el mundo sin tener contacto con él, encerrado en un camerino. A partir de este momento, los Stones habían dejado de ser reales y se habían convertido en leyenda.

Actualización (20 de mayo): La galería de L’instant de París nos comunica que hoy se ha inaugurado de la muestra ‘Soul survivor’, que recoge parte de las fotos de las que aquí se habla, y que contará con la presencia de Ethan Russell y Dominique Tarlé. En el momento de escribirse el presente artículo desconocíamos que se daba esa feliz coincidencia.

Puedes escuchar la nueva edición del disco en Spotify

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Así se fabricó el ‘look’ que lucen los Beatles en 38 fotografías inéditas

Ignacio García — Sun, 16 May 2010 07:00:53 +0000

El pasado 10 de abril se cumplían cuarenta años de la disolución de The Beatles. Como dijo John Lennon, el sueño había terminado. Los setenta echaban a andar despidiendo al grupo que había logrado batir todos los records de popularidad y alcanzando un estatus cultural inimaginable hasta entonces para un artista pop. Atrás quedaba una década llena de éxitos, trece álbumes impecables, cientos de horas de filmaciones y miles y miles de fotografías.

Y es que los cuatro de Liverpool estuvieron entre los personajes más fotografiados de los años 60. No es de extrañar que aún hoy siga apareciendo material gráfico inédito. Se acaban de difundir 38 nuevas instantáneas, que son obra del fotógrafo Paul Berriff.

Las nuevas fotos de los Beatles en la web de su autor, Paul Berriff.

Han sido cuarenta años de ausencia que lejos de apagar la llama del éxito no han hecho sino acrecentarlo. El dramático asesinato de John Lennon liquidó toda esperanza de ver materializada una ansiada reunión del grupo pero, por macabro que resulte, multiplicó su proyección comercial e hizo crecer la leyenda. Su catálogo es el más rentable de la industria del pop y cualquier cosa que huela a Beatles, ya sea un circo posmoderno o un videojuego, tiene garantizado un pedazo del pastel.

Un tesoro en el desván
Por eso, un puñado de fotos inéditas de los chicos de Liverpool oportunamente “perdidas” durante casi cincuenta años, son hoy en día un verdadero tesoro. Berriff, tal y como relató a Amateur Photography, halló las fotos entre el casi un millar de negativos que guardaba olvidados en diversos áticos. Las tomas, disparadas con una Nikon F2 y una Rolleiflex cargadas con la mítica película Kodak Tri-X 400, muestran al cuarteto en el ABC Cinema de Huddersfield, en el Odeon de Leeds y el teatro Apollo de Manchester.

Berriff vende 49 copias de cada foto a un precio de 2.495 libras cada una.

Berriff las disparó cuando contaba tan sólo dieciséis años, durante las giras que el grupo realizó por el Reino Unido entre mediados de los años 1963 y 1964. En aquel momento los primeros singles del cuarteto comenzaban a copar las listas de éxitos del Reino Unido.

Los Beatles eran la nueva e incipiente moda del pop británico, pero sólo un fenómeno local de las islas. Así, las 38 fotos poseen el valor añadido de pertenecer al periodo de la historia del grupo del que, aunque perfectamente documentado, existen menos imágenes (exceptuando la prehistoria de los años en Liverpool, The Quarrymen, The Cavern y Hamburgo).

No es de extrañar que Berriff haya visto en el hallazgo la oportunidad de asegurarse una holgada jubilación, el mismo se encarga de de gestionar la venta de las imágenes. Ha realizado una edición limitada de 49 copias de cada foto a un precio de 2.495 libras, realizadas en impresión digital sobre papel de alta calidad. Es decir, la venta de la tirada completa proporcionaría unos beneficios que sobrepasan los cuatro millones y medios de euros.

Nada nuevo bajo el sol
Las fotografías, todas en blanco y negro y de innegable calidad, no aportan nada esencialmente nuevo a la archiconocida imagen de la primera etapa del grupo. Los Beatles aparecen luciendo sus famosísimos flequillos y esos consabidos y muy formales trajes a medida que les caracterizaban.

Los Beatles llegando en 1964 al aeropuerto JFK de Nueva York. Fuente: Librería del Congreso de los Estados Unidos.

Vemos a George Harrinson cogiendo un puñado de palomitas, a John Lennon bebiendo un refresco a morro, a Ringo que sostiene una copa de vino en la mano, todos fumando como carreteros o en plena actuación sobre el escenario. Se muestran complacientes, despreocupados y alegres, aún más relajados y naturales, si cabe, que de costumbre, haciendo gala de esa simpatía, y desparpajo “para todos los públicos” que, junto a su enorme talento musical, fueron cruciales en su éxito.

Una naturalidad bien calculada
Sin embargo, aquella imagen tan aparentemente natural, tan fresca y desenfadada no había salido de la nada. Una bella estudiante de arte alemana, la fotógrafa Astrid Kirchherr, y un elegante y joven homosexual de origen judío, el manager Brian Epstein, se encargaron de pulir los otrora rudos diamantes del Mersey para darles el aspecto que les convertiría en estrellas.

Hacia 1960, tan sólo tres años antes de que estallase la beatlemanía, el grupo lucía un look completamente diferente al que conocemos. Por aquel entonces, los de Liverpool, fuertemente influidos por estrellas del recién nacido rock and roll norteamericano como Elvis Presley, Eddie Cochran o Genne Vincent, vestían pantalones y chaquetas de cuero negro, bootas de cowboy, llevaban tupes engominados y mostraban una actitud más bien hosca y desafiante. A decir verdad, su aspecto era más el de una banda de delincuentes juveniles que otra cosa.

Los cinco primeros Beatles fotografiados por Astrid Kirchherr en Hamburgo.

Y de esta guisa se marcharon a rocanrolear a Hamburgo. Allí pronto entrarían en contacto con un grupo de jóvenes estudiantes de arte alemanes entre los que se encontraba la fotógrafa Astrid Kirchherr. Ella forma parte de la historia del grupo por haber realizado las primeras sesiones de fotografías semiprofesionales del grupo y, lo que tuvo mayores consecuencias, por influir decisivamente en su cambio de imagen.

Un nuevo peinado para los de Liverpool
El existencialismo había puesto de moda entre los jóvenes estudiantes de arte alemanes un corte de pelo conocido como ‘mop-top’. Astrid Kirchherr y sus amigos Kalus Voorman (años más tarde diseñador de la portada de Revolver) y Jürgen Vollmer lucían estos peinados cuando conocieron a los Beatles. El primero en cambiar su aspecto fue Stu Sutcliffe, primer bajista del grupo, que mantenía una relación sentimental con Astrid.

Autorretrato de Astrid con el celebre peinado que impuso a los Beatles.

En un primer momento, el nuevo peinado fue recibido con burlas por sus compañeros y en especial por el cáustico Lennon que no dudo en calificarlo de “auténtica mariconada”. No obstante, cuando regresaron a Liverpool ese mismo año, todos, incluido Lennon, habían adoptado el nuevo corte de pelo. Poco después conocerían al que sería su manager definitivo, un joven vendedor de discos llamado Brian Epstein.

Elegante y refinado fue quien termino de profesionalizar la imagen del grupo. Unas normas básicas de comportamiento: no fumar durante las actuaciones, no comer pollo frito en el escenario y unos cuantos trajes a medida, que Lennon también detestaba, bastaron para transformar a aquellos duros rockeros que desembarcaran en Hamburgo unos meses antes, en un grupo de asépticos jóvenes listos para encandilar a la pacata sociedad inglesa de principios de los sesenta.

La foto de Iain Macmillan realizada en 1969 para la portada de Abbey Road muestra a unos Beatles irreconocibles.

Mediada aquella década prodigiosa, tras los primeros años de beatlemanía, la imagen del grupo, a la par que su música, fue transformándose de una manera que no fue fácil de asimilar para todos. Durante una recepción oficial en el Palacio de Buckingham a la que asistía Sir Joseph Lockwood el, a la sazón, presidente de EMI, la Reina, que al parecer andaba desconcertada con tanto cambio, comentó: “Sir Joseph, los Beatles se están volviendo de lo más raro ¿verdad?”.

Suponemos que la galería oculta de Berriff será todo un éxito pero, en cualquier caso, si la cosa no funciona, raro sería Beatles mediante, el fotógrafo puede probar suerte con los Rolling Stones o con Queen, pues junto a los negativos inéditos de Lennon y compañía dice tener cientos de estas otras estrellas.

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Cuando el artista eres tu en vez de Mick Jagger o Wendy Sulca

Pilar Portero / Ramón Peco — Tue, 11 May 2010 07:00:03 +0000

Mayo ya no es el mes de las flores sino el de los festivales y con ellos llega también la hiperactividad de las autofotos en conciertos. La estrella no es el artista, eres tu. Ramón y yo te explicamos qué te impulsa a hacerte fotos sin freno y ya que no tiene remedio, cómo hacerlas de manera que sea posible reconocer al grupo del fondo.

Consigues entradas para el próximo concierto -tranqui, todavía no hay fecha-, que puede ser el último, de los Rolling Stones. Te juegas la vida para hacerte un huequecillo en las primeras filas, entre los sobacos de los empotrados en las vallas de seguridad. En lugar de aprovechar para fotografiar al mítico grupo, te pones de espaldas al escenario, estiras el brazo a tope, te enfocas la jeta y sueltas un flashazo aun a riesgo de quedarte ciego. Seguro que harías lo mismo en un recital mítico de Wendy Sulca, Delfín Hasta el Fin y la Tigresa del Oriente. No tienes remedio.

'Parra y yo en un concierto de Depeche Mode en Londres' reza el pie de esta autofoto de pablogartner (Flickr).

El fenómeno se repite en cualquier concierto al que asistas, disparar el móvil o la cámara se convierte en un mantra que te empuja a una profunda concentración en ti mismo hasta hacer desaparecer a la estrella del cartel. Susan Sontag en su libro ‘Sobre la Fotografía’ analiza un fenómeno que ya en los años 70 le hizo reflexionar, la ansiedad por apretar el disparador. Me lo recuerda Delia Rodriguez mientras desayunamos en el Gregory’s: “Sontag explica que los turistas japoneses, alemanes y estadounidenses como les cuesta desconectar del trabajo, se dedican a hacer fotos, que es en si un trabajo”. Es una buena razón que sigue vigente 35 años más tarde. No saber disfrutar del placer de no hacer nada más que observar a la gente y los acontecimientos.

Sontag explica que los turistas japoneses, alemanes y estadounidenses como les cuesta desconectar del trabajo, se dedican a hacer fotos, que es en si un trabajo

“Yo estuve allí. Ese es el mensaje que se quiere mandar a los demás. Se trata de mostrarse formando parte de un acontecimiento especial. Tiene una parte positiva que es que la persona que se hace fotos a si misma goza de una alta autoestima”. Me comenta el psiquiatra Benito Peral. Yo le insisto en que para mi es una expresión de egocentrismo adolescente, al margen de la edad, que permanece latente y estalla cuando menos te lo esperas. Y cuando eso sucede, engancha.

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'Mi mami y yo en el concierto' es el pie de esta autofoto de verosweetly (Flickr)

Las teorias del anciano psicólogo estadounidense David Elkind me dan la razón. El concepto de ‘audiencia imaginaria’ permanece hasta ya entrada la edad adulta y explica esa sensación de considerarse centro del universo hasta el punto de creer que el resto te observa como si lo fueras. La fotografía digital, con sus cámaras ligeras que son una prolongación de uno mismo y el mimetismo con el entorno -una mayoría haciéndose fotos sin pudor de espaldas al escenario- ha propiciado también la resurección del estado de ‘fabula personal’ consistente en sentirse único. Los festivales con su intensivo de conciertos y la multitud envolviendote resultan un campo de cultivo para los hiperactivos autofoteros.

Un poco de técnica
Hacerse un autorretrato solo o acompañado en un concierto no es tarea fácil. Supone enfrentarse a una escena en la que la luz escasea, a un ambiente con poco espacio para movernos y rodeados de una multitud que seguramente ande pegando brincos. Con todas esas pegas lo normal es que la mayoría de intentos salgan mal.

Ramón y yo pasando de la autofoto gracias a Txema Rodríguez.

Ya sabemos que una foto de esa clase es un documento cuyo valor es sobre todo sentimental. No se trata de hacer virguerías técnicas. Pero hay que intentar al menos que la imagen que logremos sea medianamente buena. Te damos aquí algunas pistas. Sobre todo pensando en os que hagáis las fotos en un recinto cerrado o de noche. Si el concierto transcurre a plena luz del día la operación es mucho más sencilla.

El equipo
Por supuesto no es necesario que te compres ninguna cámara para hacer estas fotos. Te apañas con lo que tengas y ya está. Aunque si tienes alguna máquina en un cajón sácala e intenta no conformarte con el móvil (tampoco vale con el iPhone, ya te contamos hace tiempo que su cámara es bastante mala). Pero, vaya, si vas con frecuencia a conciertos y estás a punto de comprarte algún trasto te contamos tres características que debe tener.

1. Estabilizador de movimiento (de verdad). El estabilizador, sea mecánico u óptico, te permitirá que las fotos no salgan movidas aunque te tiemble el pulso. Pero mucho ojo, los fabricantes de cámaras suelen mentir bastante. Es importante que si compras una cámara compacta sencilla, o no tan sencilla, tenga estabilizador óptico o mecánico. A partir de unos 150 euros las hay con esa función. Insiste bastante al dependiente sobre ese aspecto. No vale que nos la vendan sólo con estabilizador electrónico. Eso es un truco para que compres una que al disparar con poca luz hará unas fotos que parecerán un mosaico de píxeles.

2. Óptica muy luminosa y de calidad. Dispares con una réflex, con una cámara compacta buena o regular o con un móvil lo importante para una foto así no es el flash. Lo importante es que el objetivo permita que entre el máximo posible de la escasa luz que hay en el ambiente. En ese sentido los Nokia de la serie N utilizan ópticas muy luminosas y de calidad. Son los únicos teléfonos que te recomendamos para hacer esa clase de fotos (y muchas otras). De hecho el Nokia N8 promete incorporar una buena cámara (será el primero en incorporar algo que se merezca de verdad ese nombre). Y ahora te preguntarás ¿a qué llamamos una óptica muy luminosa? Pues aquella que en su objetivo marca un valor de f/2.8 o menos. La Canon Powershot S90 y la Panasonic Lumix LX3 son dos cámaras modélicas en ese sentido.

3. Que la pantalla de la cara. Si vas hacerte un autorretrato con tu propia cámara es bastante importante saber que demonios estás enfocando. Ten en cuanta que hay cámaras que tienen pantallas abatibles que permiten girarlas. Así puedes ver lo que andas disparando. Las hay incluso que son réflex (Nikon tiene algún modelo). Aunque suponemos que no vas a ir con un trasto tan pesado a ninguna parte (si lo haces, enhorabuena). Panasonic tiene algunas cámaras de sus sistema Micro Cuatro Tercios que dan una gran calidad y tienen una pantalla completamente abatible. Con una de esas te saldrán autorretratos perfectos. Si buscas algo más pequeño te recomendamos las Samsung PL100 y PL150. Tienen una pantalla auxiliar frontal para los más vanidosos.

No está nunca de más echarle un vistazo al inmenso trabajo del rey de las autofotos: Noah Kalina.

¿Cómo hago la foto?
Intenta mantener un mínimo de sangre fría a pesar del jolgorio que te rodea, aunque tampoco te pongas grave. En ese caso puedes terminar pareciéndote a Noah Kalina, el rey en internet de los autorretratos. Concéntrate un poco en la toma. He aquí seis recomendaciones que puedes tener en cuenta:

1. Dispara con flash, pero no de cualquier forma. Es muy probable que tu cámara tenga varios modos de disparo. Con un poco de suerte tendrá alguno que te permita disparar paisajes nocturnos con gente en primer plano. Ese es el que debes elegir. La cámara en ese caso disparará el flash con una potencia limitada y con una velocidad de obturación algo lenta (para evitar que el lejano escenario aparezca a oscuras por tener una insuficiente exposición). Si no dispone de ese modo y te permite manipular en manual los controles entonces guísatelo tú mismo: velocidad de obturación de 1/30 como máximo y potencia de flash baja con reducción de ojos rojos activada.

2. Lo difícil es encuadrar. Sí, ya sabemos que con todo el ajetreo no tienes mucho tiempo para encuadrar correctamente, los empujones no ayudan. Pero intenta lucirte un poco, sobre todo si sales con alguien en la foto. Debes mirar al objetivo, tener puesta la distancia focal mínima (para abarcar todo el espacio posible en la escena), estirar el brazo al máximo para alejar la cámara (así amortiguarás la distorsión del rostro que produce una lente angular), intenta poner tu mejor cara (ojos bien abiertos, eso es fundamental) e intenta establecer una línea imaginaria entre el objetivo y tú (sobre todo si tu cámara o móvil no tiene una pantalla en la que ver lo que estás fotografiando). Si quieres que salga el escenario de fondo haz primero una prueba para ver si estás encuadrando bien.

3. Haz dos fotos. No es cosa de que te pongas pesado, pero no te conformes con una única foto si de verdad te importa captar el momento. Intenta disparar al menos dos tomas. Eso nunca falla. Una siempre será mejor que la otra.

4. Juega. Quizá alterar valores como la velocidad de obturación puedan darte mucho juego al hacer las fotos. Eso quizá le de un aire más creativo a la toma. También puedes probar a disparar ráfagas, eso suele dar buenos resultados pues siempre habrá una toma en la que salgas más guapo que en otra. Pero en ese caso ten en cuenta que la cámara debe rendir bien a sensibilidades ISO altas (cosa que si es una compacta es difícil que suceda). Además, en ese caso no puedes usar el flash. Pero eso quizá también tiene su gracia. Sobre todo porque evitarás salir con un estallido de luz en el rostro.

5. Muévete. Ninguna cámara, por buena que sea, logra hacer buenas fotos si tú no te mueves. Ya sabemos que un concierto no es el mejor lugar para andar dando muchas vueltas, pero aprovecha el poco espacio que tengas hasta lograr el mejor ángulo.

6. ¿Hacer el balance de blancos manualmente? No te lo recomendamos ni aunque seas un experto haciendo fotos. Los focos con luces de colores no ayudan y perderías mucho tiempo ajustando eso. Mejor cruza los dedos y confía en los señores japoneses que diseñaron el balance de blancos automático de tu máquina.

Bueno, después de contarte todo esto nos encantaría que si te has hecho autorretratos en un concierto nos los enseñes.

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No están manipuladas, sólo son aburridas

Rafael García — Sat, 08 May 2010 07:00:00 +0000

Esta semana nos hemos entretenido con el debate sobre los nuevos retratos del Príncipe. Por mi parte, después de mirar y remirar los tres posados, la única conclusión a la que llego es que trabajar para la Casa Real debe de ser bastante aburrido.

Las tres fotos que El Mundo puso bajo sospecha sin dar demasiadas pruebas.

Pero Dani Virgili, el fotógrafo de la polémica, ha hecho público un comunicado para explicar por qué sus retratos son tan sosos: “no están concebidos para convivir juntos, por lo que a la hora de seleccionar el mejor ángulo y la expresión que nos parecía más apropiada, lógicamente coincidimos en los tres casos. Lo contrario habría sido incoherente”. Como no he hecho la mili, no sé de dónde procede esta supuesta incoherencia. Pero sí me pregunto por qué diablos no tenemos fotos en España como ésta:

La foto fue realizada por Callie Shell y publicada en un reportaje de la revista Time de 2008.

La imagen fue tomada durante la campaña presidencial del hipermediático Obama, y forma parte de un reportaje de Callie Shell que la revista Time publicó en 2008. Es evidente que todo está perfectamente estudiado para transmitir un mensaje claro a favor de la humanidad del personaje: “el senador Obama estaba haciendo entrevistas con la prensa por teléfono en una sala de estar.

Israel se indignó ante este gesto de Obama mientras hablaba con el primer ministro de Israel.

Un poco después, cuando se preparaba para su acto de aquel día, me preguntó si estaba haciéndole fotos a sus zapatos. Cuando le dije que sí, me contó que ya les había cambiado la suela una vez, hacía un año, cuando empezó la carrera presidencial”. La pregunta que cabe hacerse es: ¿por qué una imagen así puede humanizar a Obama y no al Príncipe de España?

Supongo que la respuesta es que no se puede subestimar el poder de un zapato cuando quien lo enseña es un tipo realmente poderoso. El verano pasado, sin ir más lejos, la Casa Blanca se metió en un jardín cuando publicó esta otra imagen de Obama. Se supone que la foto retrataba la conversación telefónica entre el presidente y el primer ministro israelí Benjamin Netanyahu.

Pero los israelíes quisieron ver en ello una ofensa porque en la cultura árabe se considera insultante que te enseñen (o te tiren) los zapatos. Uno de los periódicos más liberales de Israel, el Haaretz, describía la imagen de la siguiente manera: “El presidente aparece con sus piernas sobre la mesa, expresión severa y puño apretado, como si estuviese dictándole a Netanyahu: ‘Escucha bien y escribe Estado Palestino cien veces. Eso es, Palestino, con P”.

El ejército checo desplegando una alfombra ante el Air Force One el pasado nueve de abril.

Con zapatos o sin ellos, está claro que los americanos nos llevan una ventaja tremenda a la hora de mostrar una imagen más cercana y más intencionada de sus gobernantes. Esta imagen, por ejemplo, está sacada de la página de Flickr de la Casa Blanca, que se actualiza con una frecuencia sorprendente. La foto se publicó el 9 de abril y recoge el momento en que los soldados checos extienden una alfombra roja a los pies del Air Force One en la visita que Obama hizo a Praga.

Por un lado nos enseñan la tramoya de la presidencia más poderosa del mundo (humanidad), y por otro nos cuentan: “mirad cómo los ejércitos de nuestros aliados nos ponen alfombra roja” (poder). El autor de la imagen es Pete Souza, fotógrafo jefe de Obama. ¿Por qué no hay algo así en España? ¿Es porque no tenemos fotógrafos lo suficientemente buenos? ¿O es porque nuestros gobernantes desprecian el poder de una buena imagen?

Una foto mítica que gana según pasan los años. Foto: Marisa Flórez

La primera foto que me viene a la mente cuando formulo la pregunta es ésta de Marisa Flórez… de 1977. Yo no soy nostálgico, pero cuando miro la fecha me da por sospechar que actualmente no nos enseñan imágenes así de cercanas, como si los asesores de imagen de nuestros políticos fuesen unos pacatos. La imagen la he sacado de El País, donde Marisa Flórez es redactora jefe de fotografía, y creo que el pie de foto es lo suficientemente significativo: “En un gesto que hoy no se difundiría, González enciende un cigarrillo a Suárez en La Moncloa”. La fotografía ya era buena cuando se hizo porque mostraba esa faceta humana del poderoso, pero ha ganado con los años porque ahora sería impensable ver algo así. ¿Un político fumando? Ni de coña.

Una de las fotos de Francisco Camps y Rita Barbera que pueden verse estos días expuestas en Madrid.

Una posible explicación a la creciente falta de libertad de los fotógrafos que retratan a los poderosos está en la exposición que acaba de presentar la Asociación de la Prensa de Madrid. En ella se han colgado las polémicas imágenes que, hace algún tiempo, fueron retiradas del Museu Valencia de la Il.lustració i la Modernitat porque ilustraban el caso Gürtel. Según ha dicho el presidente de la APM, Fernando González Urbaneja, la censura de entonces ha provocado el justo lo contrario de lo que pretendían: más publicidad. Es una fórmula que nunca falla, eso está claro.

Pero… ¿cuánto durará este efecto rebote? A juzgar por las aburridas imágenes oficiales del Príncipe, parece que la tendencia general es fomentar el respeto y la falta de imaginación. O sea, que tendremos que conformarnos con polémicas estériles sobre Photoshop mientras desaprovechamos la oportunidad de ver el mundo con ojos realmente atentos. Una pena, ¿no?

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Así se roba dos veces una foto difundida en Twitter

Ramón Peco — Fri, 30 Apr 2010 18:04:57 +0000

El fotógrafo haitiano Daniel Morel se encontraba en su país cuando se desencadenó el terremoto del pasado 12 de enero. Aquel fatídico día disparó varias fotos de las víctimas, alguna de ellas convertida hoy en un icono de la catástrofe, e informó a través de su cuenta en Twitter de la publicación en Twitpic de esos excepcionales documentos gráficos. Era la primera vez que Morel usaba esas herramientas.

Otro usuario de Twitter de la República Dominicana, @LisandroSuero, se apropió poco después de las fotos. En lugar de tuitear mensajes con enlaces a las fotos de Daniel More optó por descargarlas, subirlas en su propia cuenta de TwicPic y difundirlas. En resumen: las copió y se apoderó de ellas.

Una de las fotos que AFP distribuyó sin autorización de su verdadero autor y que fue vendida a diarios de todo el mundo.

Ese comportamiento sólo puede explicarse por el deseo de apropiarse de la autoría de las imágenes (no menciona al autor) o por precaución, pues al fin y al cabo se trata de un documento de extraordinario valor (en ciertas ocasiones algunos usuarios realizan duplicados de información en la red por si la fuente original las elimina). El caso es que esas copias se propagaron como la pólvora y casi todo el mundo pensó que se trataba de las fotos originales.

Vincent Almalvy, un editor de France Presse, se puso en contacto a través de Twitter con @LisandroSuero para pedirle distribuir las imágenes. La agencia se dejó engañar y comenzó a venderlas con la firma de Lisandro Suero. Aún es posible ver en medios como Time las fotos en las que aparece la falsa autoría.

Daniel Morel, que normalmente difunde sus fotos en Corbis, descubrió lo que estaba pasando y protestó públicamente. France Presse rectificó, pero a la vez denunció al fotógrafo por difamación comercial, argumentado que habían actuado de buena fe y que una información publicada en Twitter puede ser difundida libremente.

El problema es que realmente Twitter es sólo el medio con el que Morel enlaza hacia unas imágenes alojadas en un servicio externo, como es Twitpic (cuyos términos de uso dicen claramente que los derechos de las fotos que aparecen en él son de sus autores). Daniel Morel respondió con otra demanda. Un juzgado de Nueva York se ocupa ahora del caso.

Así contactó el editor gráfico de France Presse con el usuario de Twitter que se había apropiado de las fotos.

Todo ello demuestra la torpeza y la codicia con la que algunos grandes medios usan internet, como si la red fuese un estercolero en el que de vez en cuando se puede encontrar algo interesante. Pero lo más triste del asunto no es eso.

Lo deplorable es que unas imágenes de una tragedia como la de Haití hayan sido tratadas como latas de refresco en un hipermercado. El propio Daniel More se quejaba en una entrevista difundida recientemente en The New York Times del papel desempeñado por los medios en su país.

Tres actores y mucha codicia
Daniel Morel, el primer actor de todo este asunto, decide acertadamente que Twitter y Twitpic pueden ser una buena forma de mostrar al mundo sus fotos. Aunque actúa con cierta ingenuidad al no supervisar mejor su difusión, lo cual es por otra parte comprensible por ser un novato en el uso de esas herramientas. Pero también, y eso es lo más importante, porque en realidad todo eso importa muy poco. A su país se lo acaba de tragar la tierra.

Entra en juego el segundo actor. El tal Lisandro Suero es citado por muchos medios como uno de los usuarios de Twitter que está explicando lo que pasa en Haití a través de sus fotos. El Mundo es uno de los diarios que pican en el anzuelo (ver el pie de foto de la noticia).

El tercer actor, y quizá el principal responsable de todo este lío, es el editor que en representación de France Presse contacta con ese usuario a través de Twitter, y presumiblemente por correo electrónico, sin verificar adecuadamente si de verdad es el autor de las imágenes. Algo que es especialmente grave teniendo en cuenta que nadie le ha ofrecido ese material, él mismo ha ido en su búsqueda.

Cuando el verdadero autor protesta públicamente, probablemente bastante enfadado por lo que está sucediendo, France Presse en lugar de pedir sin más disculpas decide interponer una demanda contra el fotógrafo, agravando aún más todo el asunto.

En elmundo.es se cita al usuario que usurpa las foto como autor de las mismas.

Por si fuera poco la agencia al argumentar su demanda demuestra desconocer el funcionamiento de Twitter, algo bochornoso si tenemos en cuenta que se trata ni más ni menos de una de las principales agencias informativas del mundo.

Mejor pagar a periodistas que pagar abogados
Como ya dijimos en su momento Haití no había existido prácticamente para los medios antes del terremoto. Y si algo queda claro de todo el asunto es que France Presse no disponía de corresponsales en el país cuando sucede la catástrofe (a pesar de tratarse de un país francófono).

Y es que cada vez vemos con más frecuencia que las agencias intentan ahorrar en contratar a buenos profesionales. Con ocasión de los disturbios acaecidos tras las revueltas en Irán han ganado dinero vendiendo imágenes a sus abonados que habían sido difundidas por la población del país, un método notablemente más barato que el de pagar correctamente a corresponsales por el riesgo que conlleva trabajar en un escenario de conflicto.

Que una agencia se dedique a comprar y revender lo que ha sido libremente publicado y difundido en internet, asumiendo así un papel de intermediario pasivo, es sorprendente. Mejor sería invertir el dinero en pagar a periodistas en lugar de gastarlo en abogados. Tampoco estaría de más que los medios formen seriamente a sus periodistas para trabajar en la red, pues con frecuencia dan la impresión de ser elefantes atravesando una cacharrería.

IMPORTANTE (actualización 1/05/2010):
Lisandro Suero se ha puesto en contacto con El Fotográfico mostrando su profundo arrepentimiento por los hechos expuestos en el presente artículo. Explica que no actuó de mala fe y que se dejó llevar por la vorágine del momento al copiar y distribuir las fotos, algo que atribuye a su inmadurez, juventud y desconocimiento de la trascendencia que podían tener esos actos. Acabamos de comprobar que en las últimas horas ha cerrado su cuenta en Twitter, la cual se encontraba operativa ayer en el momento de publicar el presente artículo.

Esa aclaración me reafirma en que es clave que los grandes medios de comunicación y agencias informativas, como France Presse, deben usar protocolos más rigurosos a la hora de contrastar la información y la autoría de los documentos que publiquen provenientes de la red. En el caso que nos ocupa no se sabe si el editor de AFP se puso en contacto con Lisandro a través del teléfono o simplemente a través del correo electrónico, pero me temo que las prisas, por otra parte lógicas debido al excepcional momento que se estaba viviendo, pudieron más que el rigor.

Para saber más

“Polémica entre la agencia AFP y un fotógrafo por el uso indebido de unas imágenes publicadas en Twitter” en quesabesde.com

“Haitian copyright case turns on Twitter’s TOS”, en dankennedy.net (en inglés)

“Agence France Presse’s slap to photographers”, en 1854.eu (en inglés)