El reportaje eliminado de la web de World Press Photo. Vía: raphaelgunther.com

Aquí puede verse la nota de la organización de los premios y aquí una captura de pantalla del reportaje eliminado de la web de World Press Photo. El problema parece ser que en una de las fotos Rudik borró un pequeño elemento de una imagen. La organización no ha mostrado la imagen alterada ni la original, aunque dicen haber examinado con cuidado el archivo RAW.

Lo únicos datos de los que disponemos son que en una web aparece la que puede ser la fotografía original y  en otra la que puede ser la imagen tras ser procesado el negativo digital, antes y después de realizarse el retoque. Hay bastantes posibilidades de que esas fotos sean verdaderas.

La posible toma original de la que ha partido el fotógrafo. Vía: photopolygon.ru

Analizando los metadatos de esas imágenes vemos que parecen coincidir y que, efectivamente, nos encontraríamos ante la misma imagen, tras ser disparada y después de procesada. Comprobamos que fue hecha con una Canon EOS-1D Mark III el dos de febrero de 2007 a las tres y media de la tarde.

El análisis también revela algo interesante: el programa utilizado para el procesado no es Photoshop, es de ACD Systems. Hemos conservado los metadatos en las fotos que reproducimos aquí para que vosotros mismos podáis consultarlos (es posible hacerlo con Photoshop o con el complemento EXIF Viewer de Firefox). Evidentemente, esa información, también ha podido ser manipulada, pero parece un tanto absurdo pensar que se haya hecho algo así.

La supuesta imagen procesada a partir de la anterior antes de borrar el elemento que hay entre el dedo pulgar y el índice. Vía: don-duke.livejournal.com

En cualquier caso lo increíble es que al ver con detenimiento las imágenes se constata que sólo se ha eliminado un pequeño detalle, casi imperceptible: un trozo de un pie en segundo plano que sobresalía entre los dedos de la mano fotografiada. De ser eso cierto, y hay grandes posibilidades de que lo sea, nos encontraríamos ante un hecho sorprendente. Viendo las supuestas fotos que componen el proceso hasta llegar a la que le ha valido la descalificación al fotógrafo, vemos que lo de menos es que se hayan eliminado un puñado píxeles.

Lo que impresiona es la imaginación demostrada por Stepan Rudik a la hora de obtener la imagen definitiva. Entre otras cosas ha realizado un reencuadre drástico de la toma original, ha transformado una imagen en color ligeramente sobrexpuesta en una foto con un blanco y negro altamente contrastado, y ha aplicado un viñetado (con eso último da a entender a efectos de lectura visual que la foto no ha sido encuadrada en el procesado). Después de hacer todo eso ha borrado selectivamente unos pocos píxeles. Pero poner esa guinda al pastel es lo que le ha costado la descalificación.

¿La imagen presentada y descalificada en los World Press Photo? Vía: don-duke.livejournal.com

“Después de una cuidadosa consideración, hemos encontrado que es necesario descalificar el fotógrafo. El principio de World Press Photo es promover un alto nivel en el fotoperiodismo. Por lo tanto, debemos mantener la integridad de nuestra organización, incluso cuando el resultado es lamentable “. Esa es parte de la nota distribuida por el mismo jurado que concedió el primer premio a una imagen cuyo archivo original también había sido drásticamente procesado -viñeteado incluído-, aunque sin eliminar píxeles de un área muy concreta de la foto. Tal y como sucede en la imagen del ucraniano.

Cabe hacerse tres preguntas: ¿el jurado examina todos los archivos originales? Si así es ¿se le escapó el pequeño detalle eliminado de la foto? Y, finalmente, de ser eso cierto ¿de verdad merece alguien ser descalificado por manipular un detalle que incluso cuesta ver? Sean cuales sean las respuestas lo cierto es que, como ya comenté en su día al hablar de la foto premiada, la organización del World Press Photo está jugando con fuego al premiar fotos como la de Irán que ha ganado el certamen o el presente reportaje.

Si uno apuesta por aplaudir la teatralización en la fotografía periodística debe establecer unos límites claros. No basta con refugiarse en clausulas tan ambiguas como la que dice que “el contenido de la imagen no debe ser alterado. Sólo está permitido el retoque que se ajuste a las normas actualmente aceptadas en la industria”. Más allá de disquisiciones de salón de té la torpeza de los organizadores ha manchado el nombre y la carrera profesional de alguien con nombre y apellidos: Stepan Rudik, el gran perjudicado de todo ese desaguisado.

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• A esa foto le faltaba un oso polar

Lograr la imagen fue una pequeña aventura. Fotografía: Carlos Spottorno.

El aparentemente omnipotente Photoshop es sólo la punta del iceberg cuando se trata de crear una ficción visual compleja. Cuando hablamos de imágenes de alta calidad, no hay Photoshop que pueda juntar dos piezas que no encajan. No hay magia que pueda remediar una producción mediocre. A todos los que se están planteando ser fotógrafos publicitarios o de moda: leed y pensároslo dos veces.

El oso polar es un animal indomesticable. Un poco como el tiburón, o la serpiente. Depredadores puros, con un cerebro como un guisante, que solo piensa en comer y en matar. Así que en todo el mundo hay sólo dos osos polares que están disponibles para hacer publicidad. Uno está en Vancouver y el otro cerca de Oxford. Ninguno de los dos está en un zoo ni en un circo. Pertenecen a personas que tienen como actividad, la gestión de todo tipo de animales, para fines audiovisuales. Una actividad rarísima y ultraespecializada.

Lo primero, la foto
La cosa funciona de la siguiente manera: primero hay que fotografiar a la chica, en el lugar correspondiente. En este caso, en varios lugares de Canarias: las playas de Fuerteventura, Timanfaya, o las plataneras de Tenerife. Al hacer esas fotos, hay que anotar todos los datos del disparo, como la distancia entre cámara y sujeto, el ángulo de tiro, la óptica utilizada, la velocidad, la sensibilidad, la profundidad de campo, la dirección de la luz, y el nivel de difusión de la luz. Hay que tener algo del tamaño de un oso polar que sirva para tener una referencia, para cuando incrustemos al oso, que vamos a fotografiar, varios días después en Oxford, en un plató.

Aunque parezca increíble los hay que se ganan la vida alquilando osos polares para hacerles fotos.

Así que ya tenemos la fotos básicas. Ahora estamos en una especie de granja en la que hay un plató equipado con unas rejas con huecos más grandes para meter una cámara, a través de las cuales vamos a fotografiar al oso. Antes de cada foto se ilumina el plató de manera que la luz coincida con la luz de las fotos de Canarias. El adiestrador del oso, utilizando unos palos, carne de cerdo y algunos gritos, consigue de cada vez, que el oso se ponga más o menos en las posiciones que necesitamos. No hace falta decir que antes siquiera de empezar el proceso en Canarias, se ha consultado qué es lo que el oso es capaz de hacer y lo que no. Lo cierto, es que, al ser tan salvaje, sólo es posible sentarle, levantarle y hacer que camine hacia una dirección determinada. Pero todo es con trozos de carne, que él olisquea y persigue.

Cada vez que hemos hecho la foto del oso que necesitábamos, cambiamos de posición las rejas, de modo que los huecos están exactamente a la altura que se necesita. Entre foto y foto hay cerca de una hora de preparación. El plató está pintado de verde, es un plató ‘croma’. Sirve para que luego sea más sencillo hacer la máscara del oso y extraerlo del archivo bruto, para introducirlo en otro.

En Canarias todo tenía que estar planificado para luego 'pegar' la imagen del oso.

En el suelo se pone el mismo material que había en la situación original: arena, hojas o lo que hubiera. Se ha llevado desde Canarias, para que sea idéntico. Porque, por si todo esto fuera poco, no estamos haciendo sólo fotos. Toda esta producción se ha montado para rodar un spot, con lo que deben convivir una cámara de cine y una de fotos, pugnando por el ángulo perfecto. No hay situación compleja que no pueda convertirse en horriblemente compleja. El equipo de rodaje suma casi treinta personas. Nada puede fallar, porque todo esto es bastante caro y cualquier retraso tiene consecuencias nefastas para el presupuesto general. Este tipo de producciones son como hacer magia y malabarismos a la vez, sin red de seguridad. Si alguien falla, se cae el circo completo. Pero pase lo que pase, la función debe continuar. Siempre continúa.

Los creativos de la agencia madrileña DDB, José Gamo, Gustavo Montoro y Roberto Albares, están pendientes, en todo momento, de que tanto el realizador Julio del Álamo como el que escribe, le den vida a su campaña tal y como ellos la concibieron. Nosotros estamos pendientes, en principio, de que salga. Que salga bien, es ya para nota. Pero somos buenos estudiantes. Los productores rezan en silencio y cada vez que conseguimos rodar y fotografiar el siguiente plano, aprietan los puños con satisfacción.

Montar el puzzle
Después de casi diez días, ya tenemos todas la piezas. Ahora empieza la posproducción, que en realidad, en este tipo de proyectos, lleva más tiempo que la captura de imágenes.

Así que os cuento cómo va la cosa. Primero hay que seleccionar el disparo en el que el fondo esté en el punto perfecto de luz. El disparo en el que la chica esté con la mejor actitud. Si el cuerpo está bien, pero tiene un ojo medio cerrado, escogeré una foto solamente para la cara. Después, de entre todas las fotos del oso que se ha hecho para cada fondo, se escoge la que mejor se adapta a la situación.

Llega el momento de plantarse frente al ordenador y analizar las fotos con Lightroom.

Este proceso de selección responde tanto a un criterio técnico como plástico. Después se empieza a trabajar en Photoshop, donde se lleva a cabo el trabajo de composición propiamente dicho. Hay que recortar al oso con muchísima precisión. Cada pelo debe ser tenido en cuenta. Hay que corregir los reflejos verdes en el cuerpo blanco. Hay que colocar cada pieza en el lugar adecuado y tener especial cuidado en las zonas de contacto, es decir, ahí donde, por ejemplo, las zarpas del oso contactan con el agua o la arena.

Se fotografían salpicaduras sueltas para poder utilizarlas luego. Si ese punto falla, la imagen será inverosímil. Si las sombras no coinciden, la imagen será inverosímil. Si las piezas tiene tonos, contrastes, o texturas distintas, no será verosímil. Con este nivel de calidad, no es posible terminar más de una composición al día.

Los ajustes de color y contrastes son también importantísimos. Si se está trabajando en una serie de fotos, los criterios deben ser unitarios. Si una campaña es irregular en el sentido de que unas fotos son suaves y otras granulosas y contrastadas, no se identificará como campaña. Una vez más, la percepción global de los trabajos marca una línea que pocos aficionados podrán franquear. La flauta no puede sonar ocho veces seguidas por casualidad. Y desde luego, no puede sonar cumpliendo un calendario de infarto, si no es porque la sabes tocar.

Hoy por hoy el público no acepta el más mínimo fallo en este tipo de composiciones. No se trata de que te preguntes si realmente el oso estaba en la playa. Se trata de que te preguntes si estaba pasando calor, o si era peligroso tenerlo por ahí suelto.

Pura artesanía digital
El trabajo de postproducción, en fotografía publicitaria, es una parte fundamental en la inmensa mayoría de las campañas. Cuando alguien dice que todo se puede hacer o arreglar con el ordenador, a menudo no es consciente de lo que realmente significa utilizar un ordenador para crear una imagen. Lo cierto es que se trata de un trabajo artesanal. Un trabajo en el que se combinan profundos conocimientos fotográficos, habilidades pictóricas, meticulosidad de relojero y muchísima paciencia. Estas imágenes se hacen en altísima resolución. Con todas las capas activadas, hablamos de documentos que pueden pesar unos 800 megas. Hace falta un material informático y fotográfico de primera línea para producir una imagen que pueda ser ampliada a tamaños enormes sin delatar defectos de retoque ni imperfecciones que pasarían desapercibidas en un tamaño pequeño.

Otra de las fotos finales obtenidas tras realizar todo el proceso.

La conclusión a la que quiero llegar, es a una cierta reivindicación del trabajo de los fotógrafos, que algunos creen más fácil gracias a la informática. No sólo no es más fácil, sino que se hace cada vez más necesaria una formación de altísimo nivel para cumplir lo que el mercado exige. Y atención, no estoy hablando sólo de fotomontajes. La fotografía documental, que no contempla la alteración de las imágenes, sí que tiene la misma exigencia en cuanto a cualidad de composiciones, ajustes de color, contrates, revelado por zonas y, por supuesto, edición.

Vivimos en una época eminentemente visual, en la que algunos creen que pueden dar el pego en el océano de Flickr. Lo siento, la máquina que nos hace a todos fotógrafos aún no está en el mercado. Y aunque abundan las publicaciones y anunciantes que se conforman con imágenes pasables siempre que sean baratas, también existen otros que insisten en producir imágenes que destaquen y ayuden a darle valor añadido a su producto. La fotografía no sólo no ha muerto, sino que, de algún modo, vive un prodigioso renacimiento.

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Un grupo de coleccionistas se interesa en ARCO por las fotos de Tichy. Foto: Ramón Peco.

Los coleccionistas y la prensa parecen seguir añorando los mitos del pasado, y no hay mejor mito que el del artista maldito. Hoy leo a Antonio Muñoz Molina hablar de Miroslav Tichý, un octogenario con aspecto de mendigo del no había visto ninguna de sus fotos hasta que me topé con ellas ayer en ARCO. Su historia, tal y como la relata el articulista, parece ser verdaderamente fascinante y recuerda al mito literario de Joe Gould, aquel pobre diablo que decía estar narrando una historia oral de la humanidad en un montón de sucios cuadernos.

Las fotos disparadas por Tichy hoy valen entre 6.000 y 9.000 euros.

Tan buena es esa historia oficial que lo que menos importa de Miroslav Tichý son sus fotos, que suele presentar con marcos hechos por él mismo con un aire infantil. En ellas muestra a mujeres a las que capta a escondidas con sus cochambrosas cámaras, realizadas literalmente con basura. Pues Tichý es un voyeur que colecciona compulsivamente instantáneas de las chicas que viven en su  pequeña ciudad de la República Checa. Quizá hoy algunas de las retratadas comproboran boquiabiertas que ese viejo verde es el culpable de que su imagen aparezca en las páginas del New York Times.

Una foto del fotógrafo el pasado mes de octubre. Fuente: tichyfotograf.cz

Su leyenda, por lo que pude comprobar en ARCO, se cotiza muy bien. En la galería en la que vendían sus fotos, penosamente conservadas, me informaron de que estas cuestan entre 6.000 y 9.000 euros. Teniendo en cuenta que Tichý tiene miles de estas fotos es fácil de adivinar que alguien está haciendo mucho dinero hinchando esa leyenda. El pasado año su obra se exponía en Madrid en Ivory Press y ahora se muestra en el International Center of Photography de Nueva York. No está nada mal para un tipo que no parece lavarse demasiado.

Tichy construye sus cámaras con residuos de la basura.

Al preguntar si Tichy sigue viviendo en la miseria me dicen que ahora es un protegido de una fundación que lleva su nombre. La historia tiene algo de extraño. Googleando un poco se descubre que además de la página de esa extraña fundación, impulsada por un tal Roman Buxbaum, tembién existe una web, al parecer oficial, en la que hay una supuesta acta notarial firmada por Tichy. En ese documento se relata que es víctima de una estafa y que sus fotografías le han sido arrebatadas por el tal Buxbaum.

La historia de ese particular fotógrafo, sea la que sea, parece ser algo más complicada que la que nos muestra con grandes dosis de literatura al rebelde que vive fascinado por la belleza femenina, al genio que a pesar de su miseria trabaja incansablemente, o al hombre oprimido por un totalitarismo. Seguramente la verdad de Tichy sea genial y digna de contarse, pero muy distinta a ese bonito envoltorio con el que hoy nos la venden a precio de oro.

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Detalle de la portada del número de marzo de la revista Vanity Fair

El reportaje del número de marzo de Vanity Fair, catorce páginas, sobre los príncipes arranca diciendo en su segunda línea “si hemos hablado con ellos (…) no podemos contarlo”. Frase que ya nos muestra que esto va a ser un quiero y no puedo. Aunque se presente como una investigación que trata de mostrarnos a Felipe y Letizia como “más cercanos que nunca” (suponemos que se refieren a la revista) y en la que los entrecomillados son del tipo “reconocen en Zarzuela”, “cuenta una amiga muy cercana” e incluso “hay quien avisa” junto a respuestas a preguntas formuladas a Luis María Ansón, Pablo de Grecia, el historiador Luis Suárez o Gregorio Peces-Barba quien, por cierto, asegura que habló mucho con Felipe de Borbón “cuando estaba con los líos de la noruega (Eva Sannum) (…). Le dije que buscara a alguien que nunca pensase en divorcios, ni en nada de eso”. Cualquiera diría que han buscado para la exclusiva que no se puede contar a sus peores enemigos (el artículo está firmado por Andrés Aguayo y Eva Lamarca). Quien quiera entrar en las profundidades del texto puede hacerlo y seguro que encontrará joyas similares, del mismo modo que podrá juzgar si la portada y el interior tienen algo que ver. O si el asunto da para tanto revuelo.

La princesa Letizia es la única que aparece retratada en solitario, aunque sea para destacar que sabe lo que cuesta un kilo de merluza

Las fotografías, tomadas por Nick Danzinger, un profesional de probada solvencia y de marcado gusto por los reportajes de actualidad, evidencian que no ha podido profundizar en el día a día, en la proximidad que promete Vanity, como hiciera en magníficos trabajos del tipo Blair at war. De hecho, todas las imágenes parecen estar tomadas el mismo día, en una cena de gala ofrecida en honor al presidente de Vietnam (no es que se trate de un evento de especial glamour), aunque en el sumario de la revista podemos encontrar a Danzinger explicando que estuvo varios días (sin precisar cuántos) pululando por palacio y quejándose del estricto control al que fue sometido. Viendo el resultado del trabajo resulta obvio que no pudo moverse con facilidad y, como sabemos que es un buen profesional, hemos de creer que el pobre resultado final obedece al encorsetado modo de acercarse a las imágenes de los protagonistas del reportaje a quienes nos presentan, recordemos, como personas cercanas. Con razón dice Danzinger que “sería más sencillo recorrer la distancia entre el Palacio Real y el del Pardo haciendo equilibrios en la cuerda floja”. Trajes de gala, poses oficiales, lujosos salones, estudiadas iluminaciones y, en especial, porque en el fondo ella es la gran excusa para este tema, un cuidado retrato de Letizia Ortiz. Un primer plano con muy poca profundidad de campo y una luz muy suave y pictórica, una expresión ausente y de calculada melancolía. Pero nada de proximidad, soltura o atisbos de que estos personajes puedan llevar una vida semejante en algo a la de sus súbditos. Vemos exactamente lo contrario. Que su mundo es exclusivo, distante, emperifollado y falso. Y que la princesa está muy cerca de la huérfana Becky que logra alcanzar la cima social en la novela de William Makepeace Thackeray.

El Príncipe Guillermo, en la portada de Hello

Casualidades de la vida. Justo cuando el príncipe Guillermo de Inglaterra se deja fotografiar por Jeff Hubbard, un ex drogadicto, en exclusiva para el Hola de las islas (dicen que para fines benéficos) y con polémica por el presumible retoque del reportaje. Polo, vaqueros, pose desenfadada y cabello sospechosamente negro. La suya, como la de sus colegas españoles, es una lucha de apariencias. Ni uno ni otros logran parecer lo que no son.

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Lo afirma Greil Marcus en el libro Rastros de carmín, un ensayo de historia cultural que parte de la premisa de que existe un “hilo secreto” que hermana a las vanguardias iconoclastas europeas del siglo XX: dadaísmo, letrismo, situacionismo y, como aullido final, el punk, la última de las voces que proclamaron el mundo como fraude y el todo está permitido como praxis.

Entre finales de 1975 y, digamos, 1979, la patada nihilista del punk hizo que el rock, cuando todos habíamos asistido a su cremación y al venteo de las cenizas, tuviese otra vez sentido para romper las puertas: las de la percepción y las otras, las del respetable orden y el buen gusto pequeño burgueses.

Sí, es verdad,  fue un acción de mercadotecnia importada al Reino Unido –siempre ávido, quizá por su histórica simpleza artística, de ser trendy–. El punk llegó desde los Estados Unidos, donde el espíritu del ábrete y sangra era cosa vieja, de finales de los años sesenta y comienzos de la década siguiente, con Iggy & The Stogges, MC5, The New York Dolls, Richard Hell & The Voidoids y otros bucaneros suicidas.

Pero fue en la vieja Europa donde el punk se hizo antifascista, anarquista, muy maleducado y viral. Empezando por el eructo de Johnny Rotten y acabando por el corta-pega de las Slits, aquella gente era tan horrible y grandiosa como para devolvernos la consigna y el juramento, la grosería y el esputo. Nos entregaron de nuevo la conciencia y, lo que es más importante, lo hicieron en cada uno de los callejones del planeta.

Piotr Obal, 1979

Piotr Obal, 1979

Hace menos de un año, Piotr Obal publicó en su stream de Flickr un reportaje que no sólo demuestra la ubicuidad que hizo del punk una materia universal, sino que permite comprobar cómo quebrantó los sistemas de represión más tenebrosos.

Las 30 fotos están datadas en Varsovia (Polonia) en algún momento de 1979. Es decir, en plena ley marcial dictada por el general y primer ministro Wojciech Jaruzelski. El sindicato Solidarność, todavía ilegal, tenía millones de afiliados y la administración comunista apaleaba cualquier gesto de disidencia. El país estaba al borde del colapso social y económico.

Ese es el marco para estas grandes fotos, un milagro de vida y una prueba de que las reglas de juego del punk (no dejes que otro lo haga por ti, ser amateur es ser sincero) también valen en fotografía.

Piotr Obal, 1979

Piotr Obal, 1979

Fueron tomadas con una Leicaflex –la única half frame que ha fabricado Leica- cargada con Fotopan, una película barata producida en Polonia. “Nada de búsqueda de calidad o mérito artístico. Sólo espíritu punk: sudor, pogo y adolescencia”, dice Obal, que tenía entonces 16 años y ni siquiera recuerda qué fotos hizo él y cuáles su colega Iliko Kuruliszwili, porque la cámara “iba de mano en mano y no importaba demasiado quién disparase”.

Piotr Obal, 1979

Piotr Obal, 1979

En el concierto tocaron los grupos The Boors y NjuBeatles –de los que más tarde emergería la banda de referencia del rock polaco, Kryzys (aquí puedes escuchar algunas de sus canciones)–. “Para mí fue el primer y último concierto punk, algo fundamental para muchos de los que asistimos. Fue el punto de inflexión, la demostración de que aquello tan simple funcionaba: hazlo tú mismo, piensa por ti mismo y que se jodan las poses”.

Piotr Obal, 1979

Piotr Obal, 1979

Han transcurrido más de tres décadas, el rock nunca ha vuelto a renacer, la dominación y la sedición se hacen llamar del mismo modo, 2.0, las siglas de un mundo petrificado por chips de silicio. Nada asusta, todo parece al alcance de todos.

Piotr Obal, 1979

Desde este Olimpo frío los adolescentes polacos de estas fotos parecen de otro planeta, recrean la blasfemia. Lean los labios de este muchacho. Dicen: “la humanidad no será feliz hasta que el último burócrata cuelgue de los intestinos del último capitalista”.

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La imagen ganadora del World Press Photo 2010.

A nadie se le escapa que detrás de esa foto hay un intenso trabajo de posproducción digital, entre otras cosas el fotógrafo ha intensificado el viñeteado de la toma. Algo más propio de la fotografía artística que del fotoperiodismo. Desde luego tendría su morbo ver el negativo digital del que ha partido el fotógrafo italiano para obtener la imagen premiada. Seguro que nos quedaríamos boquiabiertos.

Guste o no, personalmente me parece una gran foto, la elección del jurado no deja de ser polémica a pesar de las explicaciones proporcionadas. Precisamente el pasado año a un fotoperiodista danés se le retiraba un premio en otro certamen por el intenso tratamiento al que había sometido el archivo en bruto de la imagen original. Es muy extraño que una foto de prensa no sea sometida a ciertos retoques para mejorarla de cara a su publicación. Pero de ahí a optar por intensificar el dramatismo de la imagen hay un largo camino.

Un fotograma de YouTube recibe también una mención especial. Pulsa sobre la foto para ver el vídeo original.

En cualquier caso el jurado parece que ha optado por la heterodoxia en la presente edición. No deja de ser interesante que se haya realizado una mención especial a un fotograma de vídeo de YouTube. La imagen corresponde a la de la manifestante Neda Agha-Soltan, asesinada en la represión que tuvo lugar por las protestas contra los resultados electorales en Irán. Otra prueba de que el vídeo puede terminar en gran medida con el ‘instante decisivo’.

El miembro del jurado, David Griffin, de National Geographic, comentó que con ese reconocimiento se abre “una vía para imágenes que no son profesionales y que tienen un impacto significativo en el registro visual histórico”. Precisamente la revista de Griffin ya había trabajado con esa clase de documentos incluso en su edición impresa, tal y como mostramos en el documento que acompaña a estas líneas.

Secuencia de YouTube publicada en la edición impresa de National Geographic. Pulsa para ver la noticia completa.

Ya nos hacíamos eco precisamente hace unas semanas del importante papel que fotógrafos como Arash Ashoorinia estaban jugando en Irán, entre otras cosas por la intensa labor de difusión de sus imágenes a través de las redes sociales. Eso si, el jurado del World Press Photo dice valorar esa clase de imágenes cuando “la foto no podría haber sido hecha por un fotógrafo profesional”. El matiz no deja de tener importancia. Parece sugerir en el fondo que un documento gráfico de esa naturaleza sólo tiene valor si no hay reporteros profesionales cubriendo el suceso en cuestión.

Walter Astrada, sin trampa ni cartón
Alejándonos de asuntos técnicos cabe resaltar el merecido reconocimiento que ha obtenido Walter Astrada en la categoría de historias. Recientemente hablábamos en El Fotográfico del excelente trabajo que hace pocos años había realizado sobre Haití, mucho antes de que alguien se acordase que el país vivía en un permanente estado de catástrofe.

Una de las fotos de Walter Astrada sobre Madagascar que han sido reconocidas con el World Press Photo.

Walter se introduce una vez más en el huracán de un conflicto olvidado por los grandes medios, como son las revueltas que se produjeron en Madagascar el pasado año. Un documento del que no hay nada que decir porque habla rotundamente por si mismo, sin necesidad de aderezos de ninguna clase.

Actualización 13 de febrero:

Leo en elpais.com el análisis de la foto ganadora del World Press Photo 2010 firmada por José Manuel Navía. Reproduzco aquí mi respuesta, enviada al sistema de comentarios del citado diario.

Jose Manuel,

Estoy de acuerdo con que la foto es un gran trabajo que denota una gran sensibilidad y una profunda carga simbólica. La obra de Masturzo en general, y muy especialmente sus álbumes de Irán, son impresionantes. Sin embargo, no comparto para nada lo que aquí dices:

“Imagino que esta imagen levantará ampollas entre el ejército de fotógrafos que, taxidermistas del dolor, entienden que el camino para mostrar el sufrimiento humano es la ‘dramatización’ de la propia imagen, cargándola de unas formas aparentemente atrevidas y de un contenido lo suficientemente obvio como para mover el sentimentalismo más simple del espectador”.

La imagen de Masturzo ha sido precisamente sometida a un proceso de posproducción para resaltar su dramatismo mediante el recurso estético del viñeteado. Hay, por tanto, una tendencia a la teatralización en esa foto.

Por otra parte, que llames ‘taxidermistas del dolor’ a ciertos profesionales me parece una frivolidad y una falta de respeto. ¿Qué quieres decir exactamente con eso? ¿Que el trabajo de gente como Walter Astrada, premiado también en la categoría de reportaje, no tiene valor por ser ‘obvio’? Reflejar lo obvio estimado José Manuel en ocasiones cuesta sangre, sudor, y lágrimas. No deberías olvidar que mostrar precisamente lo obvio forma parte del oficio del informador. Lástima que cada vez veamos menos obviedades en los grandes medios.

Disparar una foto comodamente desde la lejanía puede proporcionar un gran documento estético, como en el caso de la foto premiada. Pero, por favor, me parece un tanto obsceno que pongas en entredicho el valor del trabajo del informador gráfico que, con gran esfuerzo, nos transmite la incómoda verdad de ciertos conflictos. Por otra parte, no deja de ser significativo que sólo conozcamos imágenes de la sangrienta represión que tuvo lugar en Irán por un vídeo anónimo de YouTube que ha recibido una mención del jurado.

Una gran foto la de Masturzo para reproducir en los dominicales y extasiarse con discursos teóricos sobre ella, pero desgraciadamente sólo eso.

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A la vejez viruelas, un hilarante desnudo huertano de la Falla Palau-La Torre de Puzol, en Valencia.

Ajena a condiciones sociales, sexuales y estéticas, la peculiar moda de financiar fiestas o actos benéficos luciendo cuerpos en un calendario ha calado entre la sociedad. Amigos, vecinos y paisanos aplauden el despelote si el fin justifica los medios, aunque el primero no siempre sea del todo noble y los segundos no del todo hermosos. El españolito medio, que todavía tiene metidas entre ceja y ceja las fotos de rubias tetonas que adornaban talleres y taquillas antes de que la depilación hiciera estragos, no puede resistir la tentación morbosa de ver a su compañera de falla mostrando lo que tiene aunque ni ella esté para aparecer en el calendario Pirelli ni el fotógrafo sea Terry Richardson. La españolita media, por su parte, o entra en el juego o pasa de él con la retranca que sólo las mujeres saben emplear ante los pellejos ajenos.

Un misionero mormón en el calendario The Men on a Mission

Posan desnudos los jugadores de equipos modestos, los estudiantes, las maestras para pagar los estudios de niños peruanos, las azafatas de Ryanair vaya usted a saber el porqué, las abuelas brasileñas para luchar contra el cáncer, los bomberos de San Sebastián para una ONG de Bali y los funcionarios de Soria para dar pasta a compañeros en apuros. La lista es interminable. Parece que por una buena causa está dispuesto a quitarse la ropa todo el mundo y en cualquier lugar del planeta.

Algunas madres de Serradilla del Arroyo en su famoso calendario benéfico de 2008

En este submundo de los calendarios es importante llamar la atención porque de una buena promoción y de ese difícil equilibrio entre caspa y coña dependen los beneficios. De eso y de no perder la perspectiva, porque no es lo mismo ser una mamá de Serradilla del Arroyo (Salamanca) que una estrella del papel couché. A algunas vecinas de ese pueblo se les fue la mano con el espumillón real y mediático hace un par de años y también se quedaron en pelotas en varios sentidos.

Porque lo cierto, y todos somos conocedores de las razones, es que este tipo de iniciativas tienen un tirón mediático. Unas tetas y unos culos alegran cualquier telediario y dan para componer una galería de fotos en cualquier diario online. Es un recurso que nunca falla, que atrae mirones fieles al voyeurismo innato de nuestra naturaleza. E incluyen, además, una parodia respecto del desnudo de consumo, de los cuerpos perfectos de modelos famosos retratados por grandes fotógrafos. O un uso de físicos espectaculares y tomas muy elaboradas para fines imprevistos, como los de una organización religiosa. Es una de esas grandezas sociológicas de la imagen.

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Fotógrafo ambulante en Ohio (Estados Unidos), 1936. The Library of Congress (FLICKR)

Son muchos los que se han comprado una guitarra para colgar su música en Myspace y una cámara de fotos para subir sus fotos a Flickr. Unos y otros han logrado que sus obras hayan tenido una repercusión mucho mayor que si sólo las hubiesen mostrado a su grupo de amigos. Pero son pocos los músicos que no quieren tocar en directo ni fotógrafos a los que no les gusta ver sus fotos fuera de una pantalla.

Pero, claro, tanto tiempo le dedicas e a mimar tus fotos en internet que quizá te has olvidado de que la red no deja de ser un medio más para darlas a conocer. Quizá ha llegado el momento de que las saques del ordenador y te las lleves a ver mundo. Te damos aquí algunas ideas.

1. Hay vida más allá de Flickr. La red social de fotografía e ilustración Blipoint, que tiene su sede en Barcelona, se distingue precisamente por tener una dinámica agenda de eventos fuera de internet. Hoy mismo inauguran en la ciudad condal una exposición que recogerá las obras finalistas de todos los usuarios que han participado en uno de sus numerosos concursos. Si andas por allí pásate y empápate de las actividades que realizan. Por otra parte, Blipoint funciona como espacio virtual de autogestión, en el que los usuarios venden directamente su obra. Sin intermediarios ni comisiones. Si has pensado en que quizá alguien quiera comprar tus creaciones no es mala idea crear tu propio álbum comercial ahí.

2. Participa en concursos. Suena muy típico, pero concursar puede llegar a ser todo un arte. Entre otras cosas porque nos invita a ser exigentes y objetivos con nuestro trabajo. Piensa que en muchos casos aunque no ganes ningún premio si te esfuerzas y presentas una muy buena foto seguramente será expuesta. Intenta, eso sí, ver que fotos ganaron en ocasiones anteriores y decántate por aquellas convocatorias que, al margen del premio, sean interesantes. Puedes aprender mucho concursando, pero elige bien el lugar en el que la presentas.

3. Monta tu propia exposición. Rafael Doctor contaba hace unos meses en el Seminario de Fotografía de Gervasio Sánchez que exponer nuestras fotos en casa puede ser un excelente comienzo. No hay que esperar a que te llamen de una galería de primera. Seguro que tienes más cerca de lo que piensas un espacio expositivo genial. Se original. El sitio más adecuado quizá no sea la aburrida biblioteca de tu barrio. Organizar tu propia expo, al igual que concursar, te ayudará a aprender muchas cosas. Por otra parte, que tus fotos se muestren en un sitio pequeño no quiere decir que las muestres en plan chapuza. Observa lo que se hace en las galerías. Seguro que, como mínimo, puedes igualarlo. Además, como pasar a papel tus fotos no es gratis te obligarás a hacer una buena criba y reflexionarás sobre tu trabajo.

4. Edita tu propio libro. Autoeditarse cada vez es más barato y se pueden llegar a hacer libros extraordinarios, pero conviene ser exigente. No dejes de leer la guía para editarte tu propio libro de fotos que uno de los colaboradores de El Fotográfico, Carlos Spottorno, publicó en nuestra etapa en Soitu. Al igual que en el caso de realizar nuestra propia exposición, hacer un libro puede ser la excusa perfecta para que pongamos orden en nuestros álbumes y entendamos un poco mejor nuestra propia obra.

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Cuerpo de plástico pero muchas prestaciones, sobre todo a la hora de grabar vídeo, es lo que ofrece la 550D por menos de 900 euros.

La nueva réflex, que se pondrá a la venta en marzo, nos confirman en Canon que tiene un precio recomendado de 889 euros incluyendo el clásico objetivo EFS 18-55. No está nada mal teniendo en cuenta que la máquina incorpora un sucedáneo del sensor de la EOS 7D también con 18 megapíxeles, una gama de sensibilidades que llega en modo forzado a los 12.800 ISO, el sistema de medición iFCL de 63 zonas de la EOS 7D (aunque sólo tiene 9 puntos de enfoque), una velocidad de disparo de 3,7 tomas por segundo, una pantalla de 3 pulgadas con una elevada resolución de 1.040.000 píxeles, capacidad para grabar vídeo Full HD a 30, 25 y 24 fotogramas por segundo; entrada de micrófono, dato muy interesante para los que quieran hacer sus pinitos filmando cortos; y compatibilidad con las nuevas tarjetas SDXC, más rápidas y de mayor capacidad que las SD.

En su momento tuve la oportunidad de probar la Canon EOS 500D. Sobre el papel la nueva 550D supone sólo una ligera evolución en lo que respecta a las fotos, pero un gran paso en lo que respecta al vídeo -la EOS 500D decepcionaba en ese sentido-. La nueva máquina se convierte, con diferencia, en la réflex más económica con capacidad de filmar con calidad Full HD. Para ver sus posibilidades como videocámara conviene ver el vídeo de muestra que Canon ha colgado en YouTube.

Incluye también una nueva función que quizá sea divertida: puede grabar vídeos con una resolución de VGA 640×480 realizando un recorte en el área de grabación del sensor que aumenta 7 veces la distancia focal del objetivo. Es la misma estrategia que se usa con el denominado zoom digital. Así, si usamos un teleobjetivo de 200 mm pues podríamos filmar escenas con una equivalencia de 1.400 mm.

No la hemos tenido entre las manos pero todo apunta que su punto flaco es la construcción de plástico de su cuerpo, muy común en el segmento de inicio de Canon. Al que eso no le importe demasiado parece una apuesta segura para los que buscan una máquina que seguramente dispara fotos tan bien como graba vídeos, aunque lo último es lo que la hace destacar entre sus competidoras inmediatas en Canon y en otras firmas.

En Dpreview ya pueden observarse muestras de fotos tomadas con ella. En su modo de más alta resolución genera archivos de 5184 x 3456 píxeles, por lo que uno de sus puntos fuertes es la capacidad que brindan sus 18 megapíxeles para reencuadrar una escena. Algo que puede ser muy útil para los que estén aprendiendo.

¿Tiene sentido elevar la resolución de una máquina así a semejante nivel? A efectos control del ruido no parece demasiado sensato. Sobre todo teniendo en cuenta las buenas  críticas que en ese sentido está recibiendo una máquina como la Pentax K-x, de 12 megapíxeles. De hecho, los que se sientan tentados a hacerse con una 550D no deben perder de vista a esa máquina de Pentax. Aunque no filma vídeo con la misma capacidad que la Canon recién aparecida cuenta con otros atractivos, como la velocidad de sus ráfagas y la calidad de imagen.

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Me gustan los fotógrafos que no se someten a la fácil indulgencia del grito, que no recrean el imaginario de nuestro tiempo abyecto, que no se se obstinan en el híper procesado digital con pertinacia de yonquis.

No me importa si el origen de una foto es un negativo de película o un cúmulo de bits. Me importa que la foto sea algo más que imagen, quiero, como reclamaba Kafka, que “enturbie la vida”.

Betina La Plante se dedica a la fotografía desde la adolescencia. Nacida en Argentina, estudiante de arte dramático en Roma, amiga de Elliot Erwitt en Nueva York y conocedora de los cuartos oscuros donde manda la pericia artesana, no oculta que se siente “seducida por la inmediatez de lo digital”.

Sus fotos, sin embargo, no están manchadas –o, al menos, no manchadas del todo– por esa frecuente aceptación de la realidad mediante un laborioso e infértil trabajo de manipulación mediante alguno de los muchos softwares que nos engatusan ofreciendo genio a cambio de filtros.

Betina La Plante, Paris Paris

Aquí, por ejemplo, la desaturación selectiva del color es una disposición escenográfica natural: la revelación del rojo apasionado de las suelas. La foto –titulada París París– es un tránsito, un intento de condensar un recuerdo, el de una noche de baile, buena compañía y seducción. “Quería hablar de sofisticación, elegancia. Quería hacer una foto sexy sin ser obvia, una foto llena de promesas y anticipación”, explica Betina.

Si lo más temible para un fotógrafo, de acuerdo con Cartier-Bresson es “lo pergeñado artificialmente”, la artista, incluso moviéndose en el quebradizo terreno de lo simbólico (escaleras, curvas, tobillos), solventa con desparpajo los tópicos. El momento está abierto y el color no es un mero blanco y negro tintado sino forma, noción y presentimiento.

Betina La Plante, Jack Eye

La mirada de Jack es de otro temple. La primera vez que vi este retrato –el hijo mayor de Betina– pensé en la condición universal de la adolescencia: el ojo que se enfrenta y la boca que se retrae, la juventud como reino perdido de Cavafis (qué breve espacio, qué breve espacio) y, al tiempo, como tránsito doloroso (la imagen de mi cuerpo joven / vino y me trajo también las cosas tristes).

Ahora la fotógrafa abandona lo alegórico y se confabula con el sujeto, quizá como sólo pueden hacerlo una madre y su hijo. La viva luz del crepúsculo (“Jack parecía dorado”), la confianza (“era totalmente consciente de mi presencia”), el corte hemisférico como frontera (“quería concentrar la foto en el ojo, en la luz y la sombra sobre la mirada”), el grano extremado…. Todo es comunión.

Betina La Plante, John Doe

Nunca he terminado de creer aquellas instrucciones legendarias que Walker Evans –bastante dado, como cualquiera con dos dedos de frente, a contradecirse– formuló en 1930 para hacer una buena foto: “Focal 9 en la acera sombreada, focal 45 en la soleada. Velocidad, 20. Coge la cámara. Dispara”.

Frente a fotos como ésta (John Doe, Juan Nadie, la titula Betina) pienso que Evans tenía bastante razón. Miras, ajustas, click. Lo demás se lo dejas al destino, la tristeza, el gozo, la presencia que has tenido la suerte, por instinto o accidente, de certificar…

El apuesto “hombre de bronce” del retrato callejero es un newyorker que se dejaba mecer por la tarde otoñal, conversando con un amigo. Betina se colocó frente a él y escribió la última línea de un poema que ya se había iniciado.

Cuando viajo por las sencillas y hondas fotos de esta argentina –que ahora prepara una exposición en California, donde vive, y otra en Buenos Aires­­– me apetece mandar a paseo las interpretaciones de Susan Sontang sobre la fotografía como toma de posesión (a los marxistas, ya se sabe, les encanta la jerigonza bélica) o acto de voyeurismo crónico. Las fotos son, siempre, una danza turbia.

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